miércoles, abril 02, 2014

Ecuador en la 12 Bienal de Cuenca

[Nota del Editor: La obra de los artistas locales en esta edición estuvo, en conjunto, extraordinariamente sólida. Con un par de trabajos de antología como el de Manuela Ribadeneira y Adrián Balseca. Este post incluye extensa información gráfica e incluye conversaciones con 5 de los 7 artistas ecuatorianos en la 12 Bienal de Cuenca. El tiempo no me dio para charlar con Mauricio Bueno y Juan Pablo Ordoñez, les ruego disculpas a ellos prometiendo resarcir la omisión apenas encuentre una oportunidad. RK.]

MANUELA RIBADENEIRA


MANUELA RIBADENEIRA

Quito, Ecuador, 1966 | Vive y trabaja en Londres, Reino Unido


El arte de navegar: Objetos de duda y de certeza, 2011- 2014 Instalación compuesta por una mesa y entre 47 y 50 objetos

A pesar de la gran variedad de medios que emplea, Manuela Ribadeneira siempre construye su obra a partir de algunos temas centrales, tales como la relación de un pueblo con el territorio que habita, la incongruencia entre los deseos de las personas y los intereses del Estado, o la fragilidad y el carácter efímero de barreras y fronteras supuestamente insuperables. Pero lo que identifica de manera más profunda a su obra es la capacidad de lidiar con cuestiones sustancialmente políticas desde un punto de vista y con un tono extremadamente poéticos. Para la artista, lo que se encuentra en el centro de los debates territoriales, políticos, o ligados a la identidad, que constituyen su ámbito de actuación, es siempre el hombre: sus aspiraciones y sueños, sus deseos y sus auténticas convicciones. Es para la comunidad de los hombres, ya sea de manera real o metafórica, que la artista concibió muchas de sus obras, como Un metro de Ecuador (2007), edición compuesta potencialmente por 40.076.000 ejemplares, cifra equivalente a los metros que forman la línea ecuatorial.

Iniciado en 2011, El arte de navegar es un proyecto de gran envergadura, que de cierta forma culmina la larga investigación de Ribadeneira sobre los ritos y las ceremonias de posesión de territorios. Para ello, la artista estudió documentos históricos en archivos, en particular el tratado “El arte de navegar”, de Pedro de Medina, de 1545 y uno de los primeros manuales de uso de instrumentos de navegación y principios básicos de astronomía, indispensables para la navegación. Ilustraciones y planchas de estos tratados antiguos sirvieron de inspiración para realizar algunos de los objetos que componen la instalación, pero otros están basados en instrumentos de navegación contemporáneos, y otros más, en instrumentos científicos históricos, pero no de navegación (como el heliostato). Al presentar adaptaciones disfuncionales de herramientas, quitándole partes esenciales de medición, de manera que pierden un posible uso real, Ribadeneira traslada esos objetos a un universo eminentemente metafórico y metafísico. El mismo universo de la cita del poeta inglés T.S. Eliot, que la artista considera un posible punto de llegada de su navegación personal: And the end of all our exploring / Will be to arrive where we started / And know the place for the first time [Y el fin de todas nuestras exploraciones, será llegar a donde partimos y conocer el lugar por primera vez]. 
  












  
  







  
  
   
  


ADRIÁN BALSECA


ADRIÁN BALSECA
Quito, Ecuador, 1989   Vive y trabaja en Quito

Fundiciones (TODO LADRÓN SERÁ QUEMADO) , 2010
Instalación. Campana de hierro, soga, biga de madera y video monocanal HD
9'46"

Adrián Balseca investiga la composición de objetos comunes y cómo estos a través de la circulación, sea   por u medio urbano social político, s cargan d simbología y significado. Para ello, Balseca indaga el mundo material y observa las transformaciones que   e ser humano desarrolla para producir objetos funcionales que   permiten una continuidad en la vid diaria. Asimismo, el artista analiza cómo estos desarrollos vienen menud acompañado de   marco legales, interese políticos económico que determina los   circuito legales/ilegale po dond transitan Balseca selecciona objeto emblemáticos sea   un   carro un lámpar o   un alcantarilla y   realiza desplazamientos o modificaciones e la composición d lo mismos. Estas estrategias evidencia los   modo de   producció industriale y   artesanale necesario para transformar materias primas. El artista subraya cómo el orden simbólico está dado por una combinación d especificidades culturales y   naturales; y, sobre todo cómo una lectur y   análisi históric de   la   materi puede describi la   organización la construcció y   la   partició territoria o   doméstic de   un geografí o   lugar determinado.

Fundiciones (TOD LADRÓN SERÁ QUEMADO e una campana hecha mediante la fundición de una tapa de alcantarilla pública, sustraída de una call en Quito y llevada a una fábrica situada a la afueras d l ciudad. La campana llev e s torso l frase “TODO LADRÓN SERÁ QUEMADO”, qu remite a los carteles de advertencia elaborados por moradores barriales para disuadir l delincuencia dentro d u régimen de justicia popular. Balseca transform así  u objeto d saneamiento urbano e materia prima, en hierro, qu a su vez se transforma en instrumento musical y en un dispositivo de seguridad qu tiene como objetivo realizar un saneamiento social. De esta manera, el artista paradójicamente comete un delito destinado a su propia punición, y Fundiciones (TOD LADRÓN SERÁ QUEMADO e u cicl cerrado d producción qu tensa los límites de lo qu se determina lega e ilegal, situando a la campana como único testigo.



  


ADRIÁN BALSECA
Quito, Ecuador, 1989   Vive y trabaja en Quito

Medio camino , 2014
Acción. Andino 77, tanque de combustible y video monocanal HD
12'

Adrián Balseca investiga la composición de objetos comunes y cómo estos a través de la circulación, sea   por u medio urbano social político, s cargan d simbología y significado. Para ello, Balseca indaga el mundo material y observa las transformaciones que   e ser humano desarrolla para producir objetos funcionales que   permiten una continuidad en la vid diaria. Asimismo, el artista analiza cómo estos desarrollos vienen menud acompañado de   marco legales, interese políticos económico que determina los   circuito legales/ilegale po dond transitan Balseca selecciona objeto emblemáticos sea   un   carro un lámpar o   un alcantarilla y   realiza desplazamientos o modificaciones e la composición d lo mismos. Estas estrategias evidencia los   modo de   producció industriale y   artesanale necesario para transformar materias primas. El artista subraya cómo el orden simbólico está dado por una combinación d especificidades culturales y   naturales; y, sobre todo cómo una lectur y   análisi históric de   la   materi puede describi la   organización la construcció y   la   partició territoria o   doméstic de   un geografí o   lugar determinado.

El artista s acerca a proceso histórico material de primer vehículo ensamblado en Ecuador, desde una exploración acerca de lo que  constituye un objeto. Todo empieza en 1972 cuando la compañía ecuatoriana Aymesa, durante el período del “boom  petrolero”, se suma al proyecto BTV (Vehículo de  Transporte Básico) impulsado por la compañía General Motors a nivel regional y del  sudeste asiático. Balseca produce especialmente para la  12  Bienal  de   Cuenca  Medio Camino,  un   proyecto  que   se   nutre de   estos acontecimientos históricos para generar una acción. Durante los  meses previos a  la Bienal, el  artista  adquirió una camioneta Andino modelo 1977, le  retiró el  tanque de combustible para, posteriormente,  trasladarse  desde Quito a  Cuenca por 437  km  de carretera sin gasolina. La movilidad fue proporcionada por agentes externos, esfuerzos
colectivos y sistemas de solidaridad.






















Fundiciones (TODO LADRON SERA QUEMADO),
2010
Instalación.
Campana de hierro, soga, biga de madera y video monocanal 9'46" (loop)

Fotografías cortesía de: Juan Carlos Donoso y Adrián Balseca.









Medio camino,
2014
Acción - Video
Andino Miura 77, tanque de combustible y video monocanal,15'41" (loop)
(loop)

Fotografías cortesía de: Tomás Astudillo.


SASKIA CALDERÓN


SASKIA CALDERÓN
Quito, Ecuador, 1981 | Vive y trabaja en Quito

Técnica vocal, 2011
Video-performance
4’05”

Las obras de Saskia Calderón combinan performance y experimentos vocales para abordar negociaciones entre cultura occidental y autóctona, a la vez que explora el sonido como materia narrativa de procesos históricos que contribuyen a la formación
identitaria. Calderón toma como punto de partida su formación en Canto Lírico – una técnica originaria de la antigua Grecia que exige un entrenamiento técnico vocal y académico riguroso, y se caracterizada por manejar la voz como instrumento sin amplificación – en el que la artista se impone ejercicios corporales e integra técnicas, instrumentos y conocimiento local provenientes de diferentes culturas ecuatorianas. El resultado de este mestizaje atípico de prácticas vocales son composiciones cacofónicas o disonantes. Lejos de ser una variedad de tonos, es una producción de un lenguaje conectado con la historia, una experiencia de lo sensible y una activación política de la narrativa. La obra de Calderón, por un lado, explora formas expresivas y performáticas del encuentro de dos culturas constituyendo nuevas entidades e identidades. Por otro, valoriza conocimientos locales, ritos prehispánicos o culturas indígenas que están amenazados de extinguirse en el contexto de una globalización con tono capitalista. Por extensión, sus performances hacen referencia a problemáticas ambientales y sociopolíticas, tales como los derechos de los pueblos indígenas y de la naturaleza.

En Técnica vocal, Saskia Calderón utiliza el vómito como herramienta para realizar un ejercicio vocal lírico a fin de abrir la cavidad vocal y crear sonidos más amplios. Desde el esfuerzo e inducción corporal, la artista realiza una escala de notas, combinando un sonido claro y fuerte característico del canto lírico con sonidos guturales y espasmódicos del vómito. El contraste marcado remite a la situación de los pueblos indígenas amazónicos, sugerida por la presencia de pintura corporal y facial, donde su hábitat a menudo se ve amenazado por la explotación petrolera. Al igual que los pozos de extracción, la artista regurgita un líquido negro que mancha su entorno y alude a los frecuentes derrames de hidrocarburo en la Amazonia. De hecho, Calderón se inspira en el derrame petrolero del 2008 que ocasionó devastación y que comprometió la vida de pueblos indígenas amazónicos. A través de su performance, Calderón relaciona al acontecimiento con el término de antropoemia, una de las dos estrategias, según Lévi- Strauss, para enfrentar la alteridad del otro, que consiste en comer y vomitar al enemigo como forma de aniquilación y exilio. Calderón se interroga así por la difícil negociación entre naturaleza y cultura.

  

SASKIA CALDERÓN
Quito, Ecuador, 198 Vive y trabaja en Quito

Ópera Onowoka , 2014
Performance durantes los dias 27, 28, 29 y 30 de Marzo 2014 y sonido
20'

La obras d Saskia Calderón combinan performanc experimento vocales para abordar negociaciones entre cultura occidental autóctona, l ve qu explora el sonido como materia narrativa de procesos históricos qu contribuyen a la formación identitaria. Calderón toma como punto d partida s formación e Canto Lírico una técnica originaria d l antigua Grecia qu exige u entrenamient técnico vocal y académico riguroso, se    caracterizada por manejar l vo como instrument sin amplificación e el qu la artista s impone ejercicios corporales e integra técnicas, instrumentos y conocimiento loca provenientes de diferentes culturas ecuatorianas. El resultado de este mestizaje atípico de prácticas vocales so composiciones cacofónicas disonantes. Lejo d ser una variedad d tonos, e una producción d u lenguaje conectado co la historia, una experiencia de lo sensible y una activación política de la narrativa. La obra de Calderón, por un lado explora formas expresivas y performáticas del encuentro de do culturas constituyendo nuevas entidades e identidades. Po otro, valoriza conocimientos locales, rito prehispánico culturas indígenas que   están amenazados de extinguirse en el contexto de una globalización co tono capitalista. Por extensión sus    performance hace referenci a   problemática ambientale y sociopolíticas, tales como los derechos de los pueblos indígena y de la naturaleza.

Reiterando su interés en realizar ejercicios vocales qu amplifiquen cosmologías locales ecuatorianas, Calderón ha realizado específicamente para la 12 Bienal de Cuenca la obra
Ópera Onowoka, una performance y obra sonora qu consiste en una opera producida en cooperación co espíritus siguiendo una cosmología Huorani. La visión Huorani está regida por no distinguir entre los mundos físicos y los espirituales, ya qu para ello los espíritus están presentes través de mundo. L artista realiza u viaje   a  l selva Amazónica Ecuatorian en   busca d herramientas que   l permitan dar voz   los espíritus, culminando s búsqueda cuando e mundo espiritual d l selva dicta la melodía l artista. Siguiendo lo rituales Huoranis, Saskia prosigue u ejercicio de interpretació que   l lleva   pronuncia los   nombre de   sere muertos: Tageri, Taromenani y Huaorani. Ópera Onowoka es u experimento de co-producción autoral revirtiendo l base fundamental d l propiedad intelectual y qu esta restringe la creació exclusivamente lo humanos, s ve cuestiona l relación entre el
individuo y lo colectivo, y entre lo original y lo tradicional.







JULIA ROMETTI & VICTOR COSTALES


JULIA ROMETTI & VICTOR COSTALES
Niza, Francia, 1975 y Minsk, Bielorrusia, 1974  |  Viven y trabajan entre Francia y América Latina

Estrategias Suculentas , 2014
Varios medios

Desde 2007, el  dúo   Julia  Rometti y  Victor Costales  ha  emprendido investigaciones pluridisciplinares y transnacionales para localizar las  huellas de  elementos culturales en  la naturaleza. Específicamente, los artistas consideran a la naturaleza como posible espacio de inscripción política, donde las formas “no humanas” se convierten en actores de   una  lucha  ideológica y  metafísica.  Los  artistas se   embarcan  en   un   constante deambular por diferentes regiones del  mundo –  en  especial Latinoamérica –  para realizar investigaciones de campo que  evidencian los conflictos culturales presentes en la naturaleza y viceversa. El trabajo de los artistas sintetiza de forma sutil y despojada las  tenues y, a veces, veladas correspondencias que  existen entre los  contextos geográficos, geológicos, históricos y políticos. Tras un abordaje personal, autodidacta y que   sigue criterios pseudocientíficos, los  artistas entrelazan los  ámbitos local  e internacional, así como el político con  el mítico y el natural. Rometti y Costales indagan cómo se constituye un  mundo a la vez  cultural y natural considerando las cosmologías locales

Estratégias Suculentas, propuesta desarrollada específicamente para la  12 Bienal de Cuenca, forma parte de  una residencia en  esta ciudad. Para este proyecto, los artistas proponen obtener una serie de  formas, concebidas o encontradas, con  el propósito de crear un dispositivo para convertir simples huellas en signos. La serie, a su vez, servirá de soporte para lecturas interpretativas. Esta  propuesta opera alrededor de un  sistema de desplazamiento entre diferentes puntos de vista, donde una planta piensa, una roca transgrede, y  una cruz no   se  forma más por  el  cruce de  dos   líneas sino   por la yuxtaposición de dos  comillas angulares.





  







JOSÉ HIDALGO-ANASTACIO


JOSÉ HIDALGO-ANASTACIO
Guayaquil, Ecuador, 1986   |  Vive y trabaja en Guayaquil

Thoughts – monsters & experiments
[Pensamientos – montruos y experimentos], 2013 - 2014
Instalación de objetos y dibujos/témperas sobre papel

La práctica de José Hidalgo - Anastacio consiste en experimentos – artefactos que  desde su  propia configuración física vinculan diferentes sistemas de  medición y homologan las  unidades en  múltiplos o submúltiplos de  1  a  1.  El artista investiga  los  diferentes modos de  medir que   corresponden a  códigos culturales,  que   a  su  vez  representan puntos de  referencia en  el universo y en  la  Tierra. Así, Hidalgo-Anastacio reflexiona sobre la medición como una operación conceptual inherente al individuo y a la sociedad para así comprender el mundo que  le rodea. Sin embargo, la existencia de una multitud de sistemas métricos para cuantificar un  mismo objeto o realidad sugiere que  se tratan de  convenciones arbitrarias definidas y que  varían de  un  país al otro, de  un  periodo a otro. El  artista contrapone estas diferentes normas de  cuantificación del  espacio y resalta la desviación que  surge en la conversión entre uno  y otro sistema caracterizados por una subjetividad idiosincrática. Las obras de Hidalgo-Anastacio visitan y cuestionan la medida y el acto de medir como herramienta cultural e históricamente construida.

Thoughts – monsters & experiments es un proyecto realizado específicamente para la 12 Bienal de Cuenca que  consiste en una instalación de dibujos-pinturas sobre papel y un objeto que  exploran la relación entre sistemas de medición de referencia global y el acto de  medir. Estos sistemas son  usados de  manera jerárquica y tienen como objetivo comparar dos  objetos de  acuerdo con  su  característica  física. El artista fuerza una convivencia entre los diferentes modos de medición para realizar un estudio analítico y formal sobre la  naturaleza, las  ciencias científicas y  la  creación de  estándares que tienen  como propósito  generar  conocimiento sobre  los   fenómenos  físicos fundamentales de la Tierra. Estas piezas visualizan la irregularidad de la invención de padrones y evidencia la dimensión cultural que  tienen los sistemas de medición desarrollados por el hombre moderno.






MAURICIO BUENO


MAURICIO BUENO
Quito, Ecuador, 1939   | Vive y trabaja en Quito

Fotogramas , 1970
Impresiones sobre plástico

Después d estudiar arquitectura y trabajar co diseño gráfico, Mauricio Bueno s ha dedicado de manera integral a la artes plásticas a partir de s estadía de cuatro años (1969-1973 e el Center fo Advanced Visua Studies, MIT (Massachussetts Institute of Technology), e aquel entonces dirigido por Gyorgy Kepes, donde coincidió co otros importante artistas  latinoamericanos como Alejandro Otero Jua Downey, este último también presente e la 12 Bienal d Cuenca. En el ámbito d la actividades del grupo, qu se interesaba por un arte tecnológico, interactivo y de cierta manera lúdico, Bueno produjo alguna serie d trabajos que   partir d mecanismos bastante sencillos utilizando cas exclusivamente elementos básicos como aire, agua, lu y fuego - logran efectos visuales sorprendentes. Después de algunos años en Colombia, en 1977 el artista fijó su residencia definitivamente en Ecuador, produciendo aquí una obra pictórica de  gran importancia para el desarrollo del  medio artístico nacional, para el cual  Bueno contribuyó con  su  papel de  profesor en  la Escuela de  Artes Plásticas de  la Facultad de  Artes de  la Universidad Central del  Ecuador, donde tuvo como alumnos, entre muchos otros, a  algunos de  los  artistas de  la  nueva generación que   también integran la exposición.

Los Fotogramas qu aquí s exhiben están entre la primeras experiencias d Bueno lueg de   su   llegad al   MIT ante de   consagrars a   la   producció de   trabajos tridimensionales en   su   mayorí cinéticos. D cierta manera, lo Fotogramas son sintomáticos de un de los intereses fundamentales del artista: el proceso de refracción y distorsión de la luz - y, en última instancia, de la imagen - qu se mantendría a lo largo de las décadas siguientes, incluso en parte de su producción pictórica. En este caso, las sombras y los juegos de luz qu constituyen la imagen so obtenidos doblando un papel de aluminio sobre el qu el artista proyectaba u ha de luz, e u proceso controlado de   maner sólo   parcial E est sentido los   Fotograma apunta hacitrabajos posteriores, en los que  el artista utilizaría elementos como agua, aire y fuego.














MAURICIO BUENO
Quito, Ecuador, 1939   | Vive y trabaja en Quito

Velo de agua , 1970
Acrílico, agua y bomba

Espiral III , 1971
Manguera, agua, aire y bomba

Prismas líquidos , 1971
Acrílico, agua, jabón y aire

Después d estudiar arquitectura y trabajar co diseño gráfico, Mauricio Bueno s ha dedicado de manera integral a la artes plásticas a partir de s estadía de cuatro años (1969-1973 e el Center fo Advanced Visua Studies, MIT (Massachussetts Institute of Technology), e aquel entonces dirigido por Gyorgy Kepes, donde coincidió co otros importante artistas  latinoamericanos como Alejandro Otero Jua Downey, este último también presente en  la 12 Bienal de  Cuenca. En el ámbito de  las  actividades del grupo, que  se interesaba por un arte tecnológico, interactivo y de cierta manera lúdico, Bueno produjo algunas  series  de   trabajos  que   -a   partir de   mecanismos  bastante sencillos y  utilizando casi  exclusivamente elementos básicos como aire, agua, luz  y fuego- logran efectos visuales sorprendentes. Después de algunos años en Colombia, en 1977 el artista fijó su residencia definitivamente en Ecuador, produciendo aquí una obra pictórica de  gran importancia para el desarrollo del  medio artístico nacional, para el cual  Bueno contribuyó con  su  papel de  profesor en  la Escuela de  Artes Plásticas de  la Facultad de  Artes de  la Universidad Central del  Ecuador, donde tuvo como alumnos, entre muchos otros, a  algunos de  los  artistas de  la  nueva generación que   también integran la exposición.

La tres obras aquí reunidas fueron producidas e e MIT, e u espacio d tiempo relativamente pequeño, y pueden ser consideradas como sendos ejercicios sobre los efectos ópticos resultantes de la circulación del agua por circuitos o espacios cerrados, sobre e proceso d refracción d l luz Forman parte d u conjunto mayor de trabajos e qu e agua e e elemento central, qu incluye desde esculturas muy pequeñas fotomontajes hasta instalaciones gran escala para e espacio público, como el Túne sobre el Charles Rive (1972), u tubo d polietileno d u kilómetro de largo, e el cua el público podía entrar para caminar sobre la aguas de Charles. Próximas, en algunos casos, a las instalaciones co agua realizadas en los mismos años por Hans Haacke, las obras de Bueno no quieren ser metáforas de cuestiones sociales y políticas, sin qu buscan, como escribió Kepes, “reenfocar nuestra atención sobre la
perdida riqueza de los valores ambientales”.













video

JUAN PABLO ORDOÑEZ


JUAN PABLO ORDÓÑEZ
Cuenca, Ecuador, 1975  |  Vive y trabaja en Cuenca

Lectura pública , 2014
Performance, instalación con  los objetos utilizados, selección de videos del archivo AMAME

Juan Pablo  Ordóñez es un artista multifacético, que  en su obra ha utilizado la pintura, el performance y el video en  conexión con  los espacios y los contextos específicos donde trabaja. De esa  forma aborda temas relevantes para la historia reciente del  país, pero siempre  a   partir  de   una  visión  personal,  no   abstracta  sino   que   profundamente arraigada en  la vida  misma. Varios de  sus  proyectos se han desarrollado a lo largo de años  de   preparación  y  concepción,  como  San   Salvador  (2006-2011) para  el  cual Ordóñez trabajó con  una comunidad del  alto  Amazonas ecuatoriano. Se trata, en  ese sentido, de  un  trabajo que  no  busca relacionarse sólo  con  el ámbito artístico, sino  que nace del deseo de tener un  alcance mayor, que  toque cuestiones directamente políticas y sociales.

El archivo AMAME (Archivo de la Memoria Audiovisual de la Migración Ecuatoriana) es un proyecto que  este año  cumple 10 años y que  reúne centenas de videocartas enviadas por viajantes ecuatorianos a  lo  largo de  40  años. Se  trata de  un  conjunto único de memoria histórica de las experiencias de millones de ecuatorianos que  decidieron dejar el país, sobre todo  entre 1999 y 2007, debido a la grave crisis económica. Esta  primera presentación  pública del  AMAME coincide además con   un  momento histórico muy significativo,  el  del   retorno.  Después  de   décadas  de   abandonar  el  país,  muchos ecuatorianos están de regreso debido a la marcada recesión internacional. Además del Archivo, disponible para consulta por primera vez  en su integridad en la biblioteca del colegio, Ordóñez realiza un performance de la serie Déjà Vu (iniciada en 2010), en la que “acciona videocartas en  vivo”, reproduciendo algunas de  las  escenas que  aparecen en los  videos. La instalación que  aquí se  presenta reúne, en  el espacio utilizado para las acciones, los objetos utilizados por el artista y su registro.


JUAN PABLO ORDÓÑEZ
Cuenca, Ecuador, 1975  |  Vive y trabaja en Cuenca

En colaboración con  Melina Wazhima:
Archivo  AMAME – Proyecto Videocartas  Abiertas , iniciado en 2004

Juan Pablo  Ordóñez es un artista multifacético, que  en su obra ha utilizado la pintura, el performance y el video en  conexión con  los espacios y los contextos específicos donde trabaja. De esa  forma aborda temas relevantes para la historia reciente del  país, pero siempre  a   partir  de   una  visión  personal,  no   abstracta  sino   que   profundamente arraigada en  la vida  misma. Varios de  sus  proyectos se han desarrollado a lo largo de años  de   preparación  y  concepción,  como  San   Salvador  (2006-2011) para  el  cual Ordóñez trabajó con  una comunidad del  alto  Amazonas ecuatoriano. Se trata, en  ese sentido, de  un  trabajo que  no  busca relacionarse sólo  con  el ámbito artístico, sino  que nace del deseo de tener un  alcance mayor, que  toque cuestiones directamente políticas y sociales.

En  la  12 Bienal de  Cuenca, Juan  Pablo   Ordóñez y  Melina Wazhima presentan  por primera vez en su integridad el archivo AMAME (Archivo de la Memoria Audiovisual de la  Migración Ecuatoriana) es  un  proyecto que  este año  cumple 10 años y  que  reúne centenas de  videocartas enviadas por viajantes ecuatorianos a lo largo de  40  años. Se trata de  un  conjunto único de  memoria histórica de  las  experiencias de  millones de ecuatorianos que  decidieron dejar el país, sobre todo  entre 1999  y 2007, debido a  la grave  crisis  económica. Esta   primera  presentación  pública del   AMAME  coincide además con un momento histórico muy significativo, el del retorno. Después de décadas de  abandonar el  país, muchos ecuatorianos están de  regreso  debido a  la  marcada recesión internacional.
  

8 comentarios:

  1. A mi parecer esta edición de La Bienal de Cuenca es sin duda la mejor a la fecha. La muestra en su conjunto recoge la estética esperada para un evento de arte contemporáneo, con ello pone en escena una problemática general de la producción actual, el “hándicap” de muchas obras en tener que recurrir a la ficha de autor para intentar explicar lo que el objeto por si no llega a comunicar, ni cautivar, al espectador. En no pocas piezas incluso la teoría no cierra del todo o no hace el “link” con la pieza en sí.

    Entre mis favoritas "El arte de navegar" de Manuela Ribadeneira (aquí por ejemplo la ficha da la pauta necesaria para que el espectador ), la obra de Adrían Balseca, y el video La Columna en sala Proceso. Como muestra paralela al evento oficial el trabajo de Echeverría co-auspiciada por Daros.

    En fin mi aplauso para la organización, al curador sin duda y al equipo de trabajo, se percibe vientos renovadores…

    David Pérez-MacCollum

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  2. El movimiento Neo conceptual es el revival del Conceptual de los 60s y 70s en los 80s y 90s. Latinoamérica vive enamorada del movimiento conceptual desde sus inicios y con grandes seguidores de éste entre lo brasileños Ligya Clark y Hélio Oiticica. Entre nos, Mauricio Bueno fue uno de los primeros en tomárselo como propio en los 70s. Aquí nadie le paraba bola, mucho para nuestro medio le habrán dicho. Y así es como se fue…para volver.
    De hecho el único que realmente se ha ido a volver es él. Y, cómo no, el arte a nivel local. Que ya va y vuelve de este estadio desde los 90s. Pero no realmente, y ese era, al parecer el problema. No había habido aparentemente la oportunidad completa de hacerlo realidad sino hasta ahora. Con una directora de Bienal sedienta de ponerla a ésta al nivel de las bienales internacionales y con dos curadores parte del circuito, Helena Rubinstein del arte (¿o será L’oreal nomás?), era de esperarse este resultado: La bienal Neo conceptual, clean, asceptica, elitista y hermética.
    “SOLO PARA INICIADOS” debería rezar su subtítulo para que los profanos y mentecatos desistan de una. Aunque en realidad salen diciendo: “Fantástico, ingenioso, maravillosa, ¿viste ese video y esa instalación? ¿Y el reloj? ¿Y los cactus? ¿Y la pared de oro? ¡Increíble! Y se van a casa convencidos de que han entendido las claves del arte contemporáneo. Cuando en realidad lo que han hecho es mentirse a sí mismos y a los demás para no pecar de retrógrados o tontos…diosito no lo permita.

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  3. Incompleto, lo que el editor muestra en este blog está incompleto. Gracias por este espacio de publicidad, pero es necesario brindar una información mínima, que deje ver los proyectos, las obras, más que el ánimo de quien hace la nota. Esperaré con interés tu invitación a la conversación pendiente.

    Con gusto puedo facilitarte imágenes de las diferentes intervenciones que conforman mi participación en la 12 Bienal, contenidas al interior del colegio Benigno Malo, además de imágenes del performance que fue la pieza invitada a esta edición.

    Mientras tanto agradezco se publique mi trabajo cuando lo conozcas; personalmente creo que es un error insistir en incluir a todos forzadamente en lugar de privilegiar una información más precisa; actuar de esa manera da como resultado información incompleta, parcial, como la que abunda en los medios de la localidad, que nunca llegan a ser referencia investigativa para nadie.

    Saludos,
    Juanpablo Ordóñez

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  4. Juan Pablo,

    Antes que nada agradezco mucho tu visita a Río Revuelto.

    Lo que muestra este blog parte de la experiencia que tuve recorriendo las obras. Sobre la tuya te puedo comentar lo siguiente: el primer día que fui al Colegio Benigno Malo tu trabajo no estaba conectado, habían unos señores que me explicaron que había un problema con la electricidad. Me di el trabajo de volver al siguiente día solo para verlo.

    Te comento además que nunca pude navegar por el tablet que estaba en la Biblioteca del colegio (apuesto que un gran porcentaje de los visitantes a la Bienal ni saben que se encuentra ahí), fíjate que no soy tan iletrado en tecnología y me frustró la experiencia del interface, no pude ver nada. Los archivos que tu empleas en tus obras me son familiares porque los he visto articulados en otras muestras y son de mucho interés para mí, por lo que te agradecería me envíes toda la información que consideres pertinente para reflejar, en este mismo post, de la manera más adecuada tu trabajo. Con gusto añado textos, fotos y videos.

    Es curioso el tono de exigencia que tienes hacia un blog personal. Río Revuelto no es un medio de prensa con responsabilidad social, ni vive de la publicidad ni de fondos concursables….solo de las ganas y entusiasmo que me dan de cuando en cuando (hace más de 10 años). Publica además de acuerdo a un criterio editorial abiertamente sesgado: lo último que me interesa aquí es ser imparcial y democrático. Menos aún hacer publicidad a nadie. Algunas personas aprecian que esto sea así. Por suerte para quienes esta página no les resulte rigurosa tienen a su disposición el universo gigante del internet donde poder navegar.

    Finalmente agradezco mucho tus sugerencias, seguramente visitaras páginas mucho más prolijas en documentación que sí sirvan de referencia investigativa para muchos. Si me puedes compartir esos datos te agradecería.

    Muy Atentamente,

    Rodolfo Kronfle Chambers
    EDITOR

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  5. Disculpas por irrumpir en tu blog personal, pero estás usando imágenes de mi obra y siento que no sólo puedo, sino que debo opinar, sigue incompleta.

    Sé sin duda cuál es la dirección de Río Revuelto, es transparente. Tiene información muy interesante y sesgada de una parte del arte contemporáneo del Ecuador; y sí, muchas veces es rigurosa. Agradezco esto último.

    Tú sabes que en el medio es muy difícil encontrar información cabal, tanto como pescar a río revuelto, a veces es muy complicado diferenciar entre un espacio personal y uno público, tú que escribes para ambos, sabes de eso; y no te puedo pedir, menos exigir que cambies de gustos o que mires para otros lados, la verdad no tengo ningún interés en plantear tales mediaciones; pero si de verdad te interesa, a partir de mi petición, completar la información que creo es pertinente para conocer mi propuesta, la reuniré y te la enviaré; mientras tanto te agradecería mucho obviar mi nombre y mi trabajo, no usarlos como atrezzo, estoy seguro que no te será difícil, no sería la primera vez.

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  6. Juan Pablo,

    Valoro todo intercambio que se mantenga dentro de los límites del respeto: creo que las inferencias ambiguas que haces en tu comentario están demás. Aclaro a los lectores sin embargo que tú y yo no nos conocemos personalmente, ni nuestros caminos se han cruzado antes. Esto es pertinente mencionar ya que la queja no deja de asombrarme.

    Todo esto no hace sino reafirmar que hay que derribar el estereotipo de que en Ecuador hay 3 escenas de arte correspondientes a las 3 ciudades más grandes. Hay varias escenas en cada ciudad y es una pena que no existan suficientes agentes que las estudien y pongan de relieve en diversas plataformas. Río Revuelto hace lo que puede con lo que tiene cerca (en Guayaquil) y con lo que colaboran tanto artistas como gestores interesados en intercambiar sus experiencias cuando provienen de Quito o Cuenca. Muy pocas veces uno se encuentra con actitudes hostiles. A esas, por salud, ignoro.

    Reitero lo que ya estaba más que claro en mi comentario anterior: sigo esperando me envíes todo el material que quieras publicar para que refleje, a tu satisfacción, el tenor de tu trabajo, el cual tengo en buena consideración.

    Aquí la dirección: riorevuelto69@gmail.com

    Atentamente,

    RK

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  7. http://www.elcomercio.com/cultura/Ecuador-Cuenca-Bienal_de_Cuenca-arte_contemporaneo_0_1116488355.html

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