Ecuador en la 12 Bienal de Cuenca

[Nota del Editor: La obra de los artistas locales en esta edición estuvo, en conjunto, extraordinariamente sólida. Con un par de trabajos de antología como el de Manuela Ribadeneira y Adrián Balseca. Este post incluye extensa información gráfica e incluye conversaciones con 5 de los 7 artistas ecuatorianos en la 12 Bienal de Cuenca. El tiempo no me dio para charlar con Mauricio Bueno y Juan Pablo Ordoñez, les ruego disculpas a ellos prometiendo resarcir la omisión apenas encuentre una oportunidad. RK.]

MANUELA RIBADENEIRA

MANUELA RIBADENEIRA

Quito, Ecuador, 1966 | Vive y trabaja en Londres, Reino Unido

El arte de navegar: Objetos de duda y de certeza, 2011- 2014 Instalación compuesta por una mesa y entre 47 y 50 objetos

A pesar de la gran variedad de medios que emplea, Manuela Ribadeneira siempre construye su obra a partir de algunos temas centrales, tales como la relación de un pueblo con el territorio que habita, la incongruencia entre los deseos de las personas y los intereses del Estado, o la fragilidad y el carácter efímero de barreras y fronteras supuestamente insuperables. Pero lo que identifica de manera más profunda a su obra es la capacidad de lidiar con cuestiones sustancialmente políticas desde un punto de vista y con un tono extremadamente poéticos. Para la artista, lo que se encuentra en el centro de los debates territoriales, políticos, o ligados a la identidad, que constituyen su ámbito de actuación, es siempre el hombre: sus aspiraciones y sueños, sus deseos y sus auténticas convicciones. Es para la comunidad de los hombres, ya sea de manera real o metafórica, que la artista concibió muchas de sus obras, como Un metro de Ecuador (2007), edición compuesta potencialmente por 40.076.000 ejemplares, cifra equivalente a los metros que forman la línea ecuatorial.

Iniciado en 2011, El arte de navegar es un proyecto de gran envergadura, que de cierta forma culmina la larga investigación de Ribadeneira sobre los ritos y las ceremonias de posesión de territorios. Para ello, la artista estudió documentos históricos en archivos, en particular el tratado “El arte de navegar”, de Pedro de Medina, de 1545 y uno de los primeros manuales de uso de instrumentos de navegación y principios básicos de astronomía, indispensables para la navegación. Ilustraciones y planchas de estos tratados antiguos sirvieron de inspiración para realizar algunos de los objetos que componen la instalación, pero otros están basados en instrumentos de navegación contemporáneos, y otros más, en instrumentos científicos históricos, pero no de navegación (como el heliostato). Al presentar adaptaciones disfuncionales de herramientas, quitándole partes esenciales de medición, de manera que pierden un posible uso real, Ribadeneira traslada esos objetos a un universo eminentemente metafórico y metafísico. El mismo universo de la cita del poeta inglés T.S. Eliot, que la artista considera un posible punto de llegada de su navegación personal: And the end of all our exploring / Will be to arrive where we started / And know the place for the first time [Y el fin de todas nuestras exploraciones, será llegar a donde partimos y conocer el lugar por primera vez]. 

  

  

  

  

  

   

  

ADRIÁN BALSECA

ADRIÁN BALSECA

Quito, Ecuador, 1989   |  Vive y trabaja en Quito

Fundiciones (TODO LADRÓN SERÁ QUEMADO) , 2010

Instalación. Campana de hierro, soga, biga de madera y video monocanal HD

9'46"

Adrián Balseca investiga la composición de objetos comunes y cómo estos a través de la circulación, sea   por un  medio urbano,  social o  político, se  cargan de  simbología y significado. Para ello, Balseca indaga el mundo material y observa las transformaciones que   el  ser humano desarrolla para producir objetos funcionales que   permiten una continuidad en la vida  diaria. Asimismo, el artista analiza cómo estos desarrollos vienen a  menudo  acompañados  de   marcos  legales, intereses  políticos o  económicos  que determinan  los   circuitos  legales/ilegales  por  donde  transitan.  Balseca selecciona objetos  emblemáticos,  sea   un   carro,  una  lámpara  o   una  alcantarilla,  y   realiza desplazamientos o modificaciones en  la composición de  los  mismos. Estas estrategias evidencian  los   modos  de   producción  industriales  y   artesanales  necesarios  para transformar materias primas. El artista subraya cómo el orden simbólico está dado por una combinación de  especificidades culturales y   naturales; y, sobre todo,  cómo una lectura  y   análisis  histórico  de   la   materia  pueden  describir  la   organización,  la construcción  y   la   partición  territorial  o   doméstica  de   una  geografía  o   lugar determinado.

Fundiciones (TODO  LADRÓN SERÁ QUEMADO)  es  una campana hecha mediante la fundición de una tapa de alcantarilla pública, sustraída de una calle  en Quito y llevada a una fábrica situada a las  afueras de  la  ciudad. La campana lleva  en  su  torso la  frase “TODO LADRÓN SERÁ QUEMADO”, que  remite a los carteles de advertencia elaborados por moradores barriales para disuadir a  la  delincuencia dentro de  un  régimen de justicia popular. Balseca transforma  así  un  objeto de  saneamiento urbano en  materia prima, en hierro, que  a su vez se transforma en instrumento musical y en un dispositivo de seguridad que  tiene como objetivo realizar un saneamiento social. De esta manera, el artista paradójicamente comete un delito destinado a su propia punición, y Fundiciones (TODO  LADRÓN SERÁ QUEMADO)  es  un  ciclo  cerrado de  producción que  tensa los límites de lo que  se determina legal  e ilegal, situando a la campana como único testigo.

  

ADRIÁN BALSECA

Quito, Ecuador, 1989   |  Vive y trabaja en Quito

Medio camino , 2014

Acción. Andino 77, tanque de combustible y video monocanal HD

12'

Adrián Balseca investiga la composición de objetos comunes y cómo estos a través de la circulación, sea   por un  medio urbano,  social o  político, se  cargan de  simbología y significado. Para ello, Balseca indaga el mundo material y observa las transformaciones que   el  ser humano desarrolla para producir objetos funcionales que   permiten una continuidad en la vida  diaria. Asimismo, el artista analiza cómo estos desarrollos vienen a  menudo  acompañados  de   marcos  legales, intereses  políticos o  económicos  que determinan  los   circuitos  legales/ilegales  por  donde  transitan.  Balseca selecciona objetos  emblemáticos,  sea   un   carro,  una  lámpara  o   una  alcantarilla,  y   realiza desplazamientos o modificaciones en  la composición de  los  mismos. Estas estrategias evidencian  los   modos  de   producción  industriales  y   artesanales  necesarios  para transformar materias primas. El artista subraya cómo el orden simbólico está dado por una combinación de  especificidades culturales y   naturales; y, sobre todo,  cómo una lectura  y   análisis  histórico  de   la   materia  pueden  describir  la   organización,  la construcción  y   la   partición  territorial  o   doméstica  de   una  geografía  o   lugar determinado.

El artista se  acerca al  proceso histórico material del  primer vehículo ensamblado en Ecuador, desde una exploración acerca de lo que  constituye un objeto. Todo empieza en 1972 cuando la compañía ecuatoriana Aymesa, durante el período del “boom  petrolero”, se suma al proyecto BTV (Vehículo de  Transporte Básico) impulsado por la compañía General Motors a nivel regional y del  sudeste asiático. Balseca produce especialmente para la  12  Bienal  de   Cuenca  Medio Camino,  un   proyecto  que   se   nutre de   estos acontecimientos históricos para generar una acción. Durante los  meses previos a  la Bienal, el  artista  adquirió una camioneta Andino modelo 1977, le  retiró el  tanque de combustible para, posteriormente,  trasladarse  desde Quito a  Cuenca por 437  km  de carretera sin gasolina. La movilidad fue proporcionada por agentes externos, esfuerzos

colectivos y sistemas de solidaridad.

Fundiciones (TODO LADRON SERA QUEMADO),

2010

Instalación.

Campana de hierro, soga, biga de madera y video monocanal 9'46" (loop)

Fotografías cortesía de: Juan Carlos Donoso y Adrián Balseca.

Medio camino,

2014

Acción - Video

Andino Miura 77, tanque de combustible y video monocanal,15'41" (loop)

(loop)

Fotografías cortesía de: Tomás Astudillo.

SASKIA CALDERÓN

SASKIA CALDERÓN

Quito, Ecuador, 1981 | Vive y trabaja en Quito

Técnica vocal, 2011

Video-performance

4’05”

Las obras de Saskia Calderón combinan performance y experimentos vocales para abordar negociaciones entre cultura occidental y autóctona, a la vez que explora el sonido como materia narrativa de procesos históricos que contribuyen a la formación

identitaria. Calderón toma como punto de partida su formación en Canto Lírico – una técnica originaria de la antigua Grecia que exige un entrenamiento técnico vocal y académico riguroso, y se caracterizada por manejar la voz como instrumento sin amplificación – en el que la artista se impone ejercicios corporales e integra técnicas, instrumentos y conocimiento local provenientes de diferentes culturas ecuatorianas. El resultado de este mestizaje atípico de prácticas vocales son composiciones cacofónicas o disonantes. Lejos de ser una variedad de tonos, es una producción de un lenguaje conectado con la historia, una experiencia de lo sensible y una activación política de la narrativa. La obra de Calderón, por un lado, explora formas expresivas y performáticas del encuentro de dos culturas constituyendo nuevas entidades e identidades. Por otro, valoriza conocimientos locales, ritos prehispánicos o culturas indígenas que están amenazados de extinguirse en el contexto de una globalización con tono capitalista. Por extensión, sus performances hacen referencia a problemáticas ambientales y sociopolíticas, tales como los derechos de los pueblos indígenas y de la naturaleza.

En Técnica vocal, Saskia Calderón utiliza el vómito como herramienta para realizar un ejercicio vocal lírico a fin de abrir la cavidad vocal y crear sonidos más amplios. Desde el esfuerzo e inducción corporal, la artista realiza una escala de notas, combinando un sonido claro y fuerte característico del canto lírico con sonidos guturales y espasmódicos del vómito. El contraste marcado remite a la situación de los pueblos indígenas amazónicos, sugerida por la presencia de pintura corporal y facial, donde su hábitat a menudo se ve amenazado por la explotación petrolera. Al igual que los pozos de extracción, la artista regurgita un líquido negro que mancha su entorno y alude a los frecuentes derrames de hidrocarburo en la Amazonia. De hecho, Calderón se inspira en el derrame petrolero del 2008 que ocasionó devastación y que comprometió la vida de pueblos indígenas amazónicos. A través de su performance, Calderón relaciona al acontecimiento con el término de antropoemia, una de las dos estrategias, según Lévi- Strauss, para enfrentar la alteridad del otro, que consiste en comer y vomitar al enemigo como forma de aniquilación y exilio. Calderón se interroga así por la difícil negociación entre naturaleza y cultura.

  

SASKIA CALDERÓN

Quito, Ecuador, 1981  |  Vive y trabaja en Quito

Ópera Onowoka , 2014

Performance durantes los dias 27, 28, 29 y 30 de Marzo 2014 y sonido

20'

Las  obras de  Saskia Calderón combinan performance  y  experimentos  vocales para abordar negociaciones entre cultura occidental y  autóctona, a  la  vez  que  explora el sonido como materia narrativa de procesos históricos que  contribuyen a la formación identitaria. Calderón toma como punto de  partida su  formación en  Canto Lírico – una técnica originaria de  la  antigua Grecia que  exige un  entrenamiento  técnico vocal y académico riguroso, y  se    caracterizada por manejar la  voz  como instrumento  sin amplificación – en  el que  la artista se  impone ejercicios corporales e integra técnicas, instrumentos y conocimiento local  provenientes de diferentes culturas ecuatorianas. El resultado de este mestizaje atípico de prácticas vocales son  composiciones cacofónicas o  disonantes. Lejos  de  ser una variedad de  tonos, es  una producción de  un  lenguaje conectado con  la historia, una experiencia de lo sensible y una activación política de la narrativa. La obra de Calderón, por un lado,  explora formas expresivas y performáticas del encuentro de dos  culturas constituyendo nuevas entidades e identidades. Por  otro, valoriza conocimientos locales, ritos  prehispánicos  o  culturas indígenas que   están amenazados de extinguirse en el contexto de una globalización con  tono capitalista. Por extensión,  sus    performances  hacen  referencia  a   problemáticas  ambientales  y sociopolíticas, tales como los derechos de los pueblos indígenas  y de la naturaleza.

Reiterando su interés en realizar ejercicios vocales que  amplifiquen cosmologías locales ecuatorianas, Calderón ha realizado específicamente para la 12 Bienal de Cuenca la obra

Ópera Onowoka, una performance y obra sonora que  consiste en una opera producida en cooperación con  espíritus siguiendo una cosmología Huorani. La visión Huorani está regida por no distinguir entre los mundos físicos y los espirituales, ya que  para ellos  los espíritus están presentes a  través del  mundo. La  artista realiza un  viaje   a  la  selva Amazónica Ecuatoriana  en   busca de  herramientas que   le  permitan dar voz   a  los espíritus, culminando su  búsqueda cuando el  mundo espiritual de  la  selva dicta la melodía a  la  artista. Siguiendo los  rituales Huoranis, Saskia prosigue un  ejercicio de interpretación  que   la  lleva   a  pronunciar  los   nombres  de   seres  muertos: Tageri, Taromenani y Huaorani. Ópera Onowoka es un  experimento de co-producción autoral revirtiendo la  base fundamental de  la  propiedad intelectual ya  que  esta restringe la creación  exclusivamente a  los  humanos, y  a  su  vez  cuestiona la  relación entre el

individuo y lo colectivo, y entre lo original y lo tradicional.

JULIA ROMETTI & VICTOR COSTALES

JULIA ROMETTI & VICTOR COSTALES

Niza, Francia, 1975 y Minsk, Bielorrusia, 1974  |  Viven y trabajan entre Francia y América Latina

Estrategias Suculentas , 2014

Varios medios

Desde 2007, el  dúo   Julia  Rometti y  Victor Costales  ha  emprendido investigaciones pluridisciplinares y transnacionales para localizar las  huellas de  elementos culturales en  la naturaleza. Específicamente, los artistas consideran a la naturaleza como posible espacio de inscripción política, donde las formas “no humanas” se convierten en actores de   una  lucha  ideológica y  metafísica.  Los  artistas se   embarcan  en   un   constante deambular por diferentes regiones del  mundo –  en  especial Latinoamérica –  para realizar investigaciones de campo que  evidencian los conflictos culturales presentes en la naturaleza y viceversa. El trabajo de los artistas sintetiza de forma sutil y despojada las  tenues y, a veces, veladas correspondencias que  existen entre los  contextos geográficos, geológicos, históricos y políticos. Tras un abordaje personal, autodidacta y que   sigue criterios pseudocientíficos, los  artistas entrelazan los  ámbitos local  e internacional, así como el político con  el mítico y el natural. Rometti y Costales indagan cómo se constituye un  mundo a la vez  cultural y natural considerando las cosmologías locales

Estratégias Suculentas, propuesta desarrollada específicamente para la  12 Bienal de Cuenca, forma parte de  una residencia en  esta ciudad. Para este proyecto, los artistas proponen obtener una serie de  formas, concebidas o encontradas, con  el propósito de crear un dispositivo para convertir simples huellas en signos. La serie, a su vez, servirá de soporte para lecturas interpretativas. Esta  propuesta opera alrededor de un  sistema de desplazamiento entre diferentes puntos de vista, donde una planta piensa, una roca transgrede, y  una cruz no   se  forma más por  el  cruce de  dos   líneas sino   por la yuxtaposición de dos  comillas angulares.

  

JOSÉ HIDALGO-ANASTACIO

JOSÉ HIDALGO-ANASTACIO

Guayaquil, Ecuador, 1986   |  Vive y trabaja en Guayaquil

Thoughts – monsters & experiments

[Pensamientos – montruos y experimentos], 2013 - 2014

Instalación de objetos y dibujos/témperas sobre papel

La práctica de José Hidalgo - Anastacio consiste en experimentos – artefactos que  desde su  propia configuración física vinculan diferentes sistemas de  medición y homologan las  unidades en  múltiplos o submúltiplos de  1  a  1.  El artista investiga  los  diferentes modos de  medir que   corresponden a  códigos culturales,  que   a  su  vez  representan puntos de  referencia en  el universo y en  la  Tierra. Así, Hidalgo-Anastacio reflexiona sobre la medición como una operación conceptual inherente al individuo y a la sociedad para así comprender el mundo que  le rodea. Sin embargo, la existencia de una multitud de sistemas métricos para cuantificar un  mismo objeto o realidad sugiere que  se tratan de  convenciones arbitrarias definidas y que  varían de  un  país al otro, de  un  periodo a otro. El  artista contrapone estas diferentes normas de  cuantificación del  espacio y resalta la desviación que  surge en la conversión entre uno  y otro sistema caracterizados por una subjetividad idiosincrática. Las obras de Hidalgo-Anastacio visitan y cuestionan la medida y el acto de medir como herramienta cultural e históricamente construida.

Thoughts – monsters & experiments es un proyecto realizado específicamente para la 12 Bienal de Cuenca que  consiste en una instalación de dibujos-pinturas sobre papel y un objeto que  exploran la relación entre sistemas de medición de referencia global y el acto de  medir. Estos sistemas son  usados de  manera jerárquica y tienen como objetivo comparar dos  objetos de  acuerdo con  su  característica  física. El artista fuerza una convivencia entre los diferentes modos de medición para realizar un estudio analítico y formal sobre la  naturaleza, las  ciencias científicas y  la  creación de  estándares que tienen  como propósito  generar  conocimiento sobre  los   fenómenos  físicos fundamentales de la Tierra. Estas piezas visualizan la irregularidad de la invención de padrones y evidencia la dimensión cultural que  tienen los sistemas de medición desarrollados por el hombre moderno.

MAURICIO BUENO

MAURICIO BUENO

Quito, Ecuador, 1939   | Vive y trabaja en Quito

Fotogramas , 1970

Impresiones sobre plástico

Después de  estudiar arquitectura y trabajar con  diseño gráfico, Mauricio Bueno se  ha dedicado de manera integral a las  artes plásticas a partir de su  estadía de cuatro años (1969-1973)  en  el Center for  Advanced Visual  Studies, MIT (Massachussetts Institute of Technology), en  aquel entonces dirigido por Gyorgy Kepes, donde coincidió con  otros importantes  artistas  latinoamericanos,  como Alejandro Otero y  Juan  Downey, este último también presente en  la 12 Bienal de  Cuenca. En el ámbito de  las  actividades del grupo, que  se interesaba por un arte tecnológico, interactivo y de cierta manera lúdico, Bueno produjo algunas  series  de  trabajos que   -  a  partir de  mecanismos bastante sencillos y  utilizando casi  exclusivamente elementos básicos como aire, agua, luz  y fuego - logran efectos visuales sorprendentes. Después de algunos años en Colombia, en 1977 el artista fijó su residencia definitivamente en Ecuador, produciendo aquí una obra pictórica de  gran importancia para el desarrollo del  medio artístico nacional, para el cual  Bueno contribuyó con  su  papel de  profesor en  la Escuela de  Artes Plásticas de  la Facultad de  Artes de  la Universidad Central del  Ecuador, donde tuvo como alumnos, entre muchos otros, a  algunos de  los  artistas de  la  nueva generación que   también integran la exposición.

Los Fotogramas que  aquí se  exhiben están entre las  primeras experiencias de  Bueno luego  de   su   llegada  al   MIT,  antes  de   consagrarse  a   la   producción  de   trabajos tridimensionales,  en   su   mayoría  cinéticos. De  cierta manera, los  Fotogramas son sintomáticos de uno  de los intereses fundamentales del artista: el proceso de refracción y distorsión de la luz - y, en última instancia, de la imagen - que  se mantendría a lo largo de las décadas siguientes, incluso en parte de su producción pictórica. En este caso, las sombras y los juegos de luz que  constituyen la imagen son  obtenidos doblando un papel de aluminio sobre el que  el artista proyectaba un  haz  de luz, en  un  proceso controlado de   manera  sólo   parcial.  En  este  sentido,  los   Fotogramas  apuntan  hacia  trabajos posteriores, en los que  el artista utilizaría elementos como agua, aire y fuego.

MAURICIO BUENO

Quito, Ecuador, 1939   | Vive y trabaja en Quito

Velo de agua , 1970

Acrílico, agua y bomba

Espiral III , 1971

Manguera, agua, aire y bomba

Prismas líquidos , 1971

Acrílico, agua, jabón y aire

Después de  estudiar arquitectura y trabajar con  diseño gráfico, Mauricio Bueno se  ha dedicado de manera integral a las  artes plásticas a partir de su  estadía de cuatro años (1969-1973)  en  el Center for  Advanced Visual  Studies, MIT (Massachussetts Institute of Technology), en  aquel entonces dirigido por Gyorgy Kepes, donde coincidió con  otros importantes  artistas  latinoamericanos,  como Alejandro Otero y  Juan  Downey, este último también presente en  la 12 Bienal de  Cuenca. En el ámbito de  las  actividades del grupo, que  se interesaba por un arte tecnológico, interactivo y de cierta manera lúdico, Bueno produjo algunas  series  de   trabajos  que   -a   partir de   mecanismos  bastante sencillos y  utilizando casi  exclusivamente elementos básicos como aire, agua, luz  y fuego- logran efectos visuales sorprendentes. Después de algunos años en Colombia, en 1977 el artista fijó su residencia definitivamente en Ecuador, produciendo aquí una obra pictórica de  gran importancia para el desarrollo del  medio artístico nacional, para el cual  Bueno contribuyó con  su  papel de  profesor en  la Escuela de  Artes Plásticas de  la Facultad de  Artes de  la Universidad Central del  Ecuador, donde tuvo como alumnos, entre muchos otros, a  algunos de  los  artistas de  la  nueva generación que   también integran la exposición.

Las  tres obras aquí reunidas fueron producidas en  el  MIT, en  un  espacio de  tiempo relativamente pequeño, y pueden ser consideradas como sendos ejercicios sobre los efectos ópticos resultantes de la circulación del agua por circuitos o espacios cerrados, y  sobre el  proceso de  refracción de  la  luz.  Forman parte de  un  conjunto mayor de trabajos en  que  el  agua es  el  elemento central, y  que  incluye desde esculturas muy pequeñas y  fotomontajes hasta instalaciones a  gran escala para el  espacio público, como el Túnel  sobre el Charles River  (1972), un  tubo de  polietileno de  un  kilómetro de largo, en  el cual  el público podía entrar para caminar sobre las  aguas del  río  Charles. Próximas, en algunos casos, a las instalaciones con  agua realizadas en los mismos años por Hans Haacke, las obras de Bueno no quieren ser metáforas de cuestiones sociales y políticas, sino  que  buscan, como escribió Kepes, “reenfocar nuestra atención sobre la

perdida riqueza de los valores ambientales”.

JUAN PABLO ORDOÑEZ

JUAN PABLO ORDÓÑEZ

Cuenca, Ecuador, 1975  |  Vive y trabaja en Cuenca

Lectura pública , 2014

Performance, instalación con  los objetos utilizados, selección de videos del archivo AMAME

Juan Pablo  Ordóñez es un artista multifacético, que  en su obra ha utilizado la pintura, el performance y el video en  conexión con  los espacios y los contextos específicos donde trabaja. De esa  forma aborda temas relevantes para la historia reciente del  país, pero siempre  a   partir  de   una  visión  personal,  no   abstracta  sino   que   profundamente arraigada en  la vida  misma. Varios de  sus  proyectos se han desarrollado a lo largo de años  de   preparación  y  concepción,  como  San   Salvador  (2006-2011) para  el  cual Ordóñez trabajó con  una comunidad del  alto  Amazonas ecuatoriano. Se trata, en  ese sentido, de  un  trabajo que  no  busca relacionarse sólo  con  el ámbito artístico, sino  que nace del deseo de tener un  alcance mayor, que  toque cuestiones directamente políticas y sociales.

El archivo AMAME (Archivo de la Memoria Audiovisual de la Migración Ecuatoriana) es un proyecto que  este año  cumple 10 años y que  reúne centenas de videocartas enviadas por viajantes ecuatorianos a  lo  largo de  40  años. Se  trata de  un  conjunto único de memoria histórica de las experiencias de millones de ecuatorianos que  decidieron dejar el país, sobre todo  entre 1999 y 2007, debido a la grave crisis económica. Esta  primera presentación  pública del  AMAME coincide además con   un  momento histórico muy significativo,  el  del   retorno.  Después  de   décadas  de   abandonar  el  país,  muchos ecuatorianos están de regreso debido a la marcada recesión internacional. Además del Archivo, disponible para consulta por primera vez  en su integridad en la biblioteca del colegio, Ordóñez realiza un performance de la serie Déjà Vu (iniciada en 2010), en la que “acciona videocartas en  vivo”, reproduciendo algunas de  las  escenas que  aparecen en los  videos. La instalación que  aquí se  presenta reúne, en  el espacio utilizado para las acciones, los objetos utilizados por el artista y su registro.

JUAN PABLO ORDÓÑEZ

Cuenca, Ecuador, 1975  |  Vive y trabaja en Cuenca

En colaboración con  Melina Wazhima:

Archivo  AMAME – Proyecto Videocartas  Abiertas , iniciado en 2004

Juan Pablo  Ordóñez es un artista multifacético, que  en su obra ha utilizado la pintura, el performance y el video en  conexión con  los espacios y los contextos específicos donde trabaja. De esa  forma aborda temas relevantes para la historia reciente del  país, pero siempre  a   partir  de   una  visión  personal,  no   abstracta  sino   que   profundamente arraigada en  la vida  misma. Varios de  sus  proyectos se han desarrollado a lo largo de años  de   preparación  y  concepción,  como  San   Salvador  (2006-2011) para  el  cual Ordóñez trabajó con  una comunidad del  alto  Amazonas ecuatoriano. Se trata, en  ese sentido, de  un  trabajo que  no  busca relacionarse sólo  con  el ámbito artístico, sino  que nace del deseo de tener un  alcance mayor, que  toque cuestiones directamente políticas y sociales.

En  la  12 Bienal de  Cuenca, Juan  Pablo   Ordóñez y  Melina Wazhima presentan  por primera vez en su integridad el archivo AMAME (Archivo de la Memoria Audiovisual de la  Migración Ecuatoriana) es  un  proyecto que  este año  cumple 10 años y  que  reúne centenas de  videocartas enviadas por viajantes ecuatorianos a lo largo de  40  años. Se trata de  un  conjunto único de  memoria histórica de  las  experiencias de  millones de ecuatorianos que  decidieron dejar el país, sobre todo  entre 1999  y 2007, debido a  la grave  crisis  económica. Esta   primera  presentación  pública del   AMAME  coincide además con un momento histórico muy significativo, el del retorno. Después de décadas de  abandonar el  país, muchos ecuatorianos están de  regreso  debido a  la  marcada recesión internacional.