lunes, septiembre 24, 2012

Mariano Aguilera 2012 - Proyectos Ganadores



PREMIO NACIONAL DE ARTES MARIANO AGUILERA 2012
DOSSIER DE PRENSA

La Fundación Museos de la Ciudad, a través del Centro de Arte Contemporáneo, organiza el Premio Nacional de Artes Mariano Aguilera, una plataforma de fomento, promoción y difusión de las prácticas artísticas contemporáneas producidas desde el Ecuador, a través de incentivos económicos y materiales, que pretenden contribuir a la transformación permanente de la escena artística local.

Se tiene como antecedente el Salón Mariano Aguilera, fundado en 1917; evento que constituyó un espacio de visibilización y promoción de las artes plásticas del Ecuador hasta el 2008, y que a partir de 2012 amplía su incidencia en la diversidad de prácticas que tienen lugar en el campo del arte hoy.

A través de este premio, se pretende atender los procesos creativos que tienen lugar más allá de un evento artístico; es decir priorizar las diversas temporalidades en que se inscriben las manifestaciones artísticas actuales, y crear espacios de participación donde los públicos pueda construir el valor y la legitimidad del arte, a través de diferentes actividades culturales, que se desarrollarán en un período de siete meses a un año. De esta forma, el formato salón cede su lugar al formato premio, en el cual se favorecen los procesos de trabajo, breves o extensos, además de los eventos únicos.

Para cumplir con la finalidad propuesta, se han creado dos modalidades:

-  Premio Mariano Aguilera a la Trayectoria Artística. Consiste en un reconocimiento económico de $20.000,00 y la producción de una exposición antológica en el Centro de Arte Contemporáneo. Esta modalidad está dirigida a valorar un conjunto de obras y procesos artísticos desarrollados a lo largo de una carrera de mínimo 15 años.

-   Premio Nuevo Mariano – Becas de Creación e Investigación Artística. Consiste en 10 becas de $10.000,00 cada una y un Programa de seguimiento y apoyo a proyectos ganadores. Este premio se enfoca en los procesos de creación emergentes, llevados a cabo por artistas, estudiantes, investigadores, historiadores del arte, antropólogos, docentes, curadores, críticos de arte, etc.  Esta modalidad cuenta con 5 categorías: (1) Creación Artística, (2) Investigación, (3) Curaduría, (4) Nuevas Pedagogías del Arte, y (5) Publicaciones.

PÁGINA WEB OFICIAL

COMITÉ TÉCNICO MARIANO AGUILERA

Está conformado por:

-   Miguel Alvear, cineasta, artista visual y gestor cultural.
-  Trinidad Pérez, historiadora del arte y docente en la Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales “FLACSO ECUADOR”.
-   Edgar Vega, teórico de la imagen y docente en la Universidad Andina Simón Bolívar.
-  Romina Muñoz, artista visual y docente en el Instituto Superior Tecnológico de Artes del Ecuador “ITAE”.
-   Melina Wazhima, realizadora audiovisual y gestora cultural, docente en la Facultad de Artes de la Universidad de Cuenca.

Funciones:

-   Realizaron la Pre-selección de candidaturas y proyectos.
-   Eligieron a los integrantes del Comité de Jurados.
-   Deberán aprobar los Cronogramas de trabajo de los proyectos ganadores del Premio Nuevo Mariano – Becas de Creación e Investigación Artística.
-   Así mismo, deberán aprobar la obra que será entregada como premio adquisición para el Premio Mariano Aguilera a la Trayectoria Artística, conjuntamente con la Coordinación del Centro de Arte Contemporáneo.

COMITÉ DE JURADOS

Está conformado por:

-   Manuela Moscoso, de nacionalidad ecuatoriana. Curadora y gestora cultural.
-   Nekane Aramburu, de nacionalidad española. Curadora y gestora cultural.
-   Javier Duero, de nacionalidad española. Curador y gestor cultural.

Funciones:

-   Realizar la selección definitiva de la Candidatura ganadora del Premio Mariano Aguilera a la Trayectoria Artística, y de los proyectos ganadores del Premio Nuevo Mariano – Becas de Creación e Investigación Artística.

SUSTENTACIÓN DEL PREMIO POR EL COMITÉ DE JURADOS

La coherente visión de haber lanzado el Premio Nacional de Artes Mariano Aguilera, restructurándolo acorde con la creación contemporánea actual, no sólo afín a un contexto nacional, sino respondiendo a tendencias internacionales, garantizará a corto y largo plazo un fomento de las artes visuales en el Ecuador. Y permitirá que este Premio se convierta en un motor fundamental de la cultura.

Como jurados, entendimos la responsabilidad y la confianza depositada por la Fundación Museos de la Ciudad, y el equipo técnico del Centro de Arte Contemporáneo, para iniciar un período fundamental y necesario para la creación artística del siglo XXI. Nosotros valoramos, en primera instancia, que esta nueva etapa se plantee a través de dos premisas: por una parte la instauración de factores de rigurosidad y transparencia, y por otra, la clara perspectiva de convertirlo en una plataforma internacional.

Tras el análisis de las propuestas presentadas destacamos:

1.     El valor de compromiso con las prácticas contemporáneas actuales, afianzado en una historia del arte ecuatoriano sólida.

2.     La participación de artistas, activistas, educadores, investigadores, con un fuerte control del proceso de producción.

3.     Una posición comprometida de los artistas en un momento de intenso cambio en el país.

4.     La instauración de lo transdisciplinar y de las prácticas creativas que investigan en las nuevas tecnologías, el audiovisual y la tradición.

5.     La relevancia de proyectos insertos de forma incuestionable en las corrientes internacionales.

6.     El rigor en lo procesual, y la inminente profesionalización del sector, así como una mayor igualdad de género con la participación de las mujeres.

Como jurado hemos valorado:

1) Concepto y estética.
2) Producción y gestión desde la eficacia, responsabilidad y sostenibilidad.
3) Ética y compromiso.
4) Devolución a la sociedad civil

Finalmente queremos reseñar que hemos sido muy conscientes de la necesidad de generar una distribución transversal en diferentes formas, modos y  métodos.

GANADORES DEL PREMIO NACIONAL DE ARTES MARIANO AGUILERA 2012
Con comentarios del Comité de Jurados

Premio Mariano Aguilera a la Trayectoria Artística
- Pablo Cardoso (Cuenca, 1965)
Por su trayectoria profesional internacional, su trabajo desde la periferia, la rigurosidad en indagar nuevas fórmulas entre pintura y fotografía, su compromiso en las urgencias, y la coherencia en los procesos de creación. Por ser un representante de la transición generacional en el campo artístico. Por estar involucrado en la problemática ecológica del contexto. Es un artista que trabaja con su tiempo.

Premio Nuevo Mariano – Becas de Creación e Investigación Artística
CATEGORÍA CREACIÓN ARTÍSTICA

- Anthony Arrobo (Guayaquil, 1988) por su proyecto “A History of the Light”.
Por su valor por resolver una pieza frágil y sofisticada de materiales sencillos y procesos laboriosos, de una forma eficaz. Arrobo se inscribe en un conceptualismo inteligente, basado en la materialidad de los objetos, destacando como uno de los artistas jóvenes ecuatorianos de mayor proyección internacional.

- Oscar Santillán (Milagro1980) por su proyecto “San Agustín”.
Su propuesta de fuerte rigor procesual, es una instalación  de carácter conceptual a partir  de la alquimia radical de materiales. A través del mismo permite un proyecto entre lo transcendental y lo científico, que sitúa a Quito en el eje de un ejercicio sobre la línea ecuatorial como proyecto de realidad-ficción, que apuesta por la transformación de valores instaurados, que interactúa con el espectador a diferentes niveles.

- Estefanía Peñafiel (Quito, 1978) por su proyecto “cuenta regresiva".
Destaca como un proyecto de carácter político y en proceso, donde la performance y la relación con determinados lugares documentados a través de grabaciones  y fotografía,  acaba insertándose en contextos públicos y espacios no convencionales  de Riobamba, Quito, Guayaquil y Montecristi. Su trabajo performativo revela un compromiso social basado en la recuperación de la memoria histórica.

- Victor Costales  y Julia Rometti  (Minsk, Belarus/Francia, 1974) por su proyecto “Vegetación – Agitación o los movimientos de las plantas”.
Se trata de un proyecto que enlaza de forma coherente su línea de investigación relacionada  con la situación geopolítica del continente latinoamericano, con aspectos de botánica y recuperación de plantas en movimiento endémicas en cada región. Una instalación de interés plástico que resalta la naturaleza como documento y símbolo de agitación político-ecológica.

- Libertad Gills Arana (Guayaquil, 1984) por su proyecto “LOS RUSOS” o 150 DIAS EN ENGABAO”.
Un trabajo audiovisual experimental y de carácter formativo inserto en la comuna de Engabao (Guayas), con objeto de rescatar las expresiones cotidianas de la memoria colectiva e histórica del pueblo a través de un filme etnográfico y artístico, donde la tradición oral no-oficial del pueblo adquiere carácter protagónico. Su proceso de trabajo, respetuoso y metódico entre el mundo arte y la antropología, evidencia nuevas vías de investigación en las prácticas contemporáneas.

- Tranvía Cero, Todo por la praxis, Henar Diez y Lucas Álvarez  (Quito-Ecuador, 2002-2012) por su proyecto “P.010 (prototipo móvil, acoplable, desplegable, andariego, nómada y utilitario)”.
Su prototipo móvil interdisciplinario es un proyecto de participación ciudadana y colaborativo,  basado en un mecanismo de mediación que se inserta de forma muy eficaz en comunidades periféricas de núcleos urbanos. Su trayectoria y constancia en el desarrollo con proyectos de carácter experimental, con énfasis social, abiertos a redes colaborativas reales de compromiso.

- David Cevallos (Quito, 1986) por su proyecto “Ejercicios de Paciencia”.
Destaca por tratarse de un proyecto involucrado con el oficio de artista que se sitúa en el sistema hogar y lo cotidiano, como lugar de desarrollo y experimentación paracientífico. El autor presenta 5 procesos abiertos que reflejan la exigencia de un artista hacia el valor de transferencia, donde la obra abierta manifiesta el crecimiento personal y del creador como un laboratorio de riesgo. Parte de medios tradicionales para llegar a proyectos de complejidad.

CATEGORÍA CURADURÍA

- Desierto.

CATEGORÍA INVESTIGACIÓN

- Christian León (Quito, 1974), por su proyecto de investigación sobre “Cuerpo, género y sexualidad en el videoarte ecuatoriano (1990-2010)”.
Por la necesidad acuciante de historiografíar y analizar cuestiones de género dentro de lo audiovisual en el Ecuador. Proyectos como éste permitirán abrir vías necesarias sustentadas en lo teórico, a partir del escaneo a tiempo real de creadoras y creadores que están trabajando en estas vías.

CATEGORÍA NUEVAS PEDAGOGIAS DEL ARTE

- Paulina León (Quito, 1978), en representación del colectivo CALEIDOSCOPIO PRODUCCIONES ARTÍSTICAS (Quito, Ecuador, 1978) por su proyecto “EN-SEÑAS video”.
Un proyecto que se inscribe en cruce de métodos pedagógicos y la creación contemporánea, sin dudar del riesgo que conlleva a experimentar con minorías de riesgo, mostrando que el arte también puede tener un sentido social y de inclusión positiva.

CATEGORÍA PUBLICACIONES

- Alex Shlencker (Quito, Ecuador) por su proyecto “Trascámara: la imagen pensada por fotógrafos”.
Por la rigurosidad de utilizar el sistema de edición como instrumento pedagógico y de investigación en el teórico-visual. Este proyecto tiene dos objetivos relevantes: en primer lugar establecer vínculos entre la creación nacional y el circuito internacional, y en segundo lugar, trabajar con parámetros de código abierto y de conocimiento compartido.

PREMIO MARIANO AGUILERA A LA TRAYECTORIA ARTÍSTICA

PABLO CARDOSO

Sábana # 8
Secuencia de 11 cuadros de 13 cm x 18 cm c/u
 Acrílico sobre madera
2006

Descripción de la obra
Esta obra es la última de la serie Sábanas que Pablo Cardoso realizó entre los años 2005 y 2006 para la exposición que presentó en Galería Animal (Santiago de Chile, 2006).

Se trata de 11 paneles trabajados en monocromías verde ultramar, en acrílico sobre madera, cada uno de 13 x 18 cm, en los se aprecia a un pequeño y extraño invertebrado de largas tenazas deambulando en movimientos circulares por los pliegues de una sábana iluminada a contraluz.

Con delicadas veladuras y finas tramas del pincel Cardoso ha copiado con fidelidad las imágenes fotográficas en las cuales se ha basado para realizar esta obra. Es particularmente interesante apreciar cómo en algunos paneles la pintura reproduce efectos propios del medio fotográfico, como el ligero blur causado por los inesperados giros del animal ante el obturador, o el desenfoque de los planos más distantes.

Sobre esta obra, el poeta y crítico de arte Cristóbal Zapata ha escrito: “Si anteriormente los paseos y traslaciones comprometían ciudades y lugares reales, la geografía simulada o ficticia que dibuja Sábanas, y la precaria condición de sus pasajeros lleva hasta las últimas consecuencias el carácter fictivo de todos los viajes pintados por Cardoso, en tanto el recuento pictórico del documento fotográfico presupone una estrategia narrativa y representativa. El viaje de la araña o de la cochinilla puede ser un viaje fantástico, una parábola, una fábula, una ficción poética o filosófica, una gran alegoría moral en pequeño formato, donde cada tablilla relata una odisea física y espiritual, y cada pliegue es a su vez la trampa y la trama del viaje. Y por supuesto, en tanto la obra conjuga una vez más el lenguaje de la pintura y la fotografía y sus particulares temporalidades, supone una reflexión sobre el arte mismo y sus infinitas posibilidades de realización”.


PREMIO NUEVO MARIANO – BECAS DE CREACIÓN E INVESTIGACIÓN ARTÍSTICA
Imágenes de los proyectos que cuentan con gráficos por el momento
 
Boceto en 3D de la obra “A History of the Light”

Anthony Arrobo (Guayaquil, Ecuador, 1988)
Proyecto: “A History of the Light”.

Descripción de la propuesta

A History of the Light
Instalación
Theatre spotlight y superficie integra de minas de grafito
4 metros de diámetro
2012

History of the Light es una instalación que consiste de un gran circulo de luz que sale de un theatre spotlight ó cañon de luz que se introduce en la pared 10 centímetros y deja ver un gran plano circular que está hecho íntegramente con minas de grafito 0.7 mm de los lápices mecánicos.

El proyecto es una metáfora que parte de una línea de mi trabajo en donde analizo nuevas formas de abordaje de elementos “propios” del mundo del arte, de los materiales, los medios y sus convenciones. En esta nueva pieza, una de las intenciones es generar una imagen dialéctica entre gesto (la superficie integra de minas), y su iluminación, lo blanco y lo negro.

Me interesa generar un espacio de iluminación exacto en donde a su vez hay “mucho” y “poco” que mostrar. Es una pieza que para mi piensa de alguna forma la dialéctica del trabajo: la distancia entre un gran gesto laborioso en términos técnicos pero frágil y lleno de delicadeza. 277.632 minas aproximadamente harán esta gran superficie plana y circular que de alguna forma piensa esa relación muy particular que tiene la luz y su sombra, y que a su vez está muy relacionada con las metáforas y dinámicas propias del mundo del dibujo.


Diagrama del proceso y metodología de trabajo, del proyecto “Ejercicios de Paciencia”.

David Cevallos (Quito, Ecuador, 1986)
Proyecto “Ejercicios de Paciencia”.

Descripción de la propuesta

El título proviene de las características del desarrollo formal de las obras que integran la propuesta; tiene una connotación que alude al oficio de artista, y se sitúa en el sistema hogar como lugar de desarrollo. Comprenden 2 años de trabajo y 5 procesos que no pueden reducirse a una sola actividad porque son como los instrumentos de una misma orquesta:

1. Ciencia del Hogar: Las cosas se desordenan porque es más fácil que un objeto ocupe muchos lugares donde no debe estar, a que ocupe el único sitio que se le ha designado. El uso tiende al desorden. Este proceso tiene que ver con aquello, y propone soluciones -desde el arte- para hacer que el uso de un espacio tienda hacia el orden. Instalaciones.

2. Las moscas en un hogar son el signo de que algo anda mal. Están asociadas a la suciedad y la basura. Pero yo las tengo en otra estima: son los iconos de esta investigación, representan mi objeto de estudio. El Museo de las Moscas es una aproximación a los materiales “impuros” desde una perspectiva utilitaria-artística.

3. El Edén es ahora: es un estudio sobre la práctica del cultivo de plantas comestibles, desarrollado con las herramientas conceptuales de la permacultura y las técnicas del arte. Plantas, fotografía, ilustración botánica.
Los procesos que siguen, pertenecen a otra calidad temporal.

Tiempo de ocio:
4 y 5. Dibujo lo que Veo es un entretenimiento para mejorar la técnica del dibujo y la acuarela. La Forma de lo Inmaterial es un ejercicio de dibujo en el que se hace descender a tierra a esas cosas que por su naturaleza inmaterial flotan y están en el cielo. Es una colección de pensamientos endurados hasta la condición de cosas.

Ejercicios de Paciencia es una investigación sobre el acto de habitar un espacio, del por qué se desordenan las cosas, de cuestionarse lo que se elige y lo que se rechaza, de lo nuevo y de lo viejo, de lo obsoleto y lo funcional. Su fin es escapar del trance consumista y llevar una vida libre y autosuficiente: El gran escape.

 
Imágenes del proyecto “cuenta regresiva".
Proyecto multimedia, performance, vídeo y sonido, fotografía, archivo.

Estefanía Peñafiel (Quito, Ecuador, 1978)
Proyecto “cuenta regresiva".

Descripción de la propuesta

Cuenta regresiva explora mediante una estrategia de deconstrucción los procesos de formación política del Ecuador, proponiendo una reflexión más global sobre los instrumentos de identificación y de representación colectiva, el carácter lineal o cíclico del tiempo, la memoria histórica y sus condiciones de lisibilidad. El proyecto permitirá además constituir un archivo de representaciones de grupos sociales en un tiempo y un espacio determinado.

El proyecto comprende varias etapas que conjugan distintas prácticas artísticas, y culminará con la elaboración de una obra multimedia. El cuerpo central con¬siste en una serie de sesiones de “lectura” (performances) que se realizarán en espacios públicos, en distintas localidades del Ecuador. La acción consiste en leer al revés todas las constituciones políticas aprobadas desde la fundación del Ecuador (17 tex¬tos), partiendo desde la última palabra de la constitución de 1998 (la última en vigencia al momento de inicio del proyecto), hasta la primera palabra de la constitución de 1830. Cada lectura es grabada en video y sonido, y este material es posteriormente editado al revés, en una nueva regresión del tiempo y los espacios recorridos. Así, las palabras recobran aparentemente su sentido, pero es entonces el mundo que se mueve al revés y el tiempo que avanza hacia atrás. La obra final mostrará el pero es entonces el mundo que se mueve al revés y el tiempo que avanza hacia atrás. La obra final mostrará el montaje video, fotografías y documentos compilados a manera de archivos o de bitácora de viaje.

Cuenta regresiva arrancó en mayo del 2005 en París, cuando el Ecuador atravesaba una crisis institucional que terminaría con el derrocamiento de otro gobierno y se planteaba la necesidad de dotarse de una nueva constitución.
Desde entonces, sólo un texto constitucional ha sido leído y con materiales de grabación precarios. El proyecto necesita realizarse casi por completo y el Ecuador es el contexto más idóneo para realizarlo.


Boceto del proyecto “San Agustín”.

Oscar Santillán (Milagro, Ecuador, 1980)
Proyecto “San Agustín”.

Descripción de la propuesta

Esta instalación, en una sala expositiva amplia (hipotéticamente de 10 x 8 m, y 5 m de alto), que consta de 2 elementos; una ventana circular en una de las paredes, cuyo vidrio tiene un diseño geométrico con tonos apenas visibles, como un sutil vitral; y, un péndulo (de Foucault) de mármol negro completamente quieto, como si el planeta se hubiese detenido.

En los últimos años, he puesto especial énfasis en operaciones alquímicas: transformación radical de materiales, pasando de su descomposición (casi desaparición) a su recomposición dentro de un nuevo esquema o forma. Esta tentativa se encuentra en la propuesta aquí descrita. El vidrio será fabricado con las cenizas de pájaros cremados (muertos de manera natural y recolectados de diferentes fuentes), siendo que diferentes partes del vidrio corresponden a diferentes tipos de pájaro (o sea, por cada tono en el vitral hay un tipo de pájaro). El diseño del vidrio sugiere el de alguna iglesia católica, aunque en realidad es un proceso subjetivo a partir de ejercicios de dibujos de mantras personales y del imaginario cristiano que Carl Jung desarrollara, y que en sus estudios entran en diálogo con la alquimia, la búsqueda del lapis, la transformación del ánima y animus en un solo ser.

El segundo elemento de la instalación, el péndulo inmóvil, propone la posibilidad del silencio en el espacio. Siendo que este péndulo tiene una finalidad científica que es la comprobación de la rotación de la tierra, colocar un péndulo en Quito, cerca de la línea ecuatorial se presenta como un escenario un tanto absurdo. No solamente que la oscilación se distorsiona (se simplifica más bien), sino que llevando este planteamiento a sus últimas consecuencias he decidido proponer su total inmovilización (mediante el uso de imanes de tierra –rare earth magnets- tanto en la punta del péndulo como escondido en el piso debajo del mismo), como si la eternidad (el fin del tiempo) fuese posible, una idea propuesta por San Agustín.



Tranvía Cero, Todo por la praxis, Henar Diez y Lucas Álvarez.
Imagen del Proyecto “P.010 (prototipo móvil, acoplable, desplegable, andariego, nómada y utilitario)”.

Tranvía Cero. Representante: Pablo Ayala. Integrantes: Pablo Almeida, Karina Cortez, Samuel Tituaña, Henar Diez y Lucas Álvarez.
Proyecto “P.010 (prototipo móvil, acoplable, desplegable, andariego, nómada y utilitario)”.

Descripción de la propuesta

Se trata de un P.010 (prototipo móvil, acoplable, desplegable, andariego, nómada y utilitario) construido bajo premisas arquitectónicas, pero con las claras reservas de utilidad y economía de espacio y materiales, con una medida aproximada de 8,50 m x 2,40m, dividido en dos vagones enganchables.

Este proyecto pretende crear una plataforma que a manera de laboratorio se desplace por distintos barrios de la ciudad; se lo concibe desde lo multidisciplinario, y como un proyecto a largo alcance, ya que pretendemos llegar al barrio y establecernos por el tiempo que sea necesario, para crear procesos mas sostenidos, en los cuales diversas expresiones, prácticas artísticas y sociales tengan un espacio para desarrollarse.

P.010 pretende crear espacios de diálogo e intercambio bajo la premisa de generar procesos mas sostenidos en el tiempo, al anclar este artefacto en el espacio público y socializar diferentes bienes culturales dentro del espacio comunitario y barrial. Consideramos que la riqueza cultural de los sectores en los que hemos intervenido por años, nos ha dado ciertas pautas para insertarnos de una manera mas efectiva y afectiva en estos espacios, teniendo en cuenta las características únicas de cada sector.

Consideramos además que nuestros procesos no deben partir meramente del análisis objetivo de la comunidad, sino pretendemos crear nexos con los cuales las personas sientan ese sentido de propiedad con el artefacto y sus integrantes, y que de esta manera sean los que propongan y gestionen posteriormente sus propios espacios de intercambio cultural.

Así consideramos que artefactos como este pueden ser un punto de partida para que diferentes agrupaciones, colectivos o instituciones puedan accionar desde esos otros espacios, multiplicando las opciones para el intercambio de saberes. Para ello vamos a producir un manual de usuario con graficas e información precisa de cómo poder armar uno con similares características, que será distribuido de manera gratuita y por medios digitales.



Libertad Gills (Guayaquil, Ecuador, 1984), por su proyecto “LOS RUSOS” o 150 DIAS EN ENGABAO”.

Descripción de la propuesta

De enero a julio de 2012, viví en la comuna de Engabao (Guayas), filmando un documental que registra las expresiones cotidianas de la memoria colectiva e histórica del pueblo. Engabao está en un momento crucial, de transición de puerto pesquero artesanal a balneario turístico. Es un momento singular por las tensiones entre los intereses privados y estatales con los comunales. El documental alterna las narrativas de los fundadores de la comuna y defensores del territorio (parte participativa); con la vida cotidiana -económica, política, y social (parte observacional); con la mirada e interpretación de la cineasta (parte reflexiva). La yuxtaposición de estos supuestos binarios -pasado/presente, participativo/observacional, "comunidad"/cineasta-antropóloga- en el contenido y en la forma, permitirá el análisis de: 1) la manera en que se visibiliza o invisibiliza la memoria colectiva en el presente; 2) cómo la gente interpreta los cambios o repeticiones históricas actuales; 3) cuál es la frontera entre la voz del etnógrafo-cineasta y la voz del sujeto-participante, analizando el rol de la cámara como otro actor foráneo en la comunidad.

Como filme etnográfico y artístico, este documento se reserva el derecho a la ambigüedad y la no-objetividad: representaré las "conclusiones" antropológicas usando herramientas cinemáticas como repetición de temas, composición del cuadro, puesta en escena, música, texto o narración y yuxtaposición o colisión de imágenes y sonido. Intento plantear una suerte de desafío a la antropología visual, en la que el documental suele ser una mera ilustración de conceptos clásicos antropológicos. Planteo este documental etnográfico como un puente entre los campos del arte y la antropología, un medio no-didáctico que invite al espectador a participar en el proceso intelectual del filme. "Los rusos" es el nombre derogatorio que usan en Playas para la gente de Engabao; cuestiono ese nombre con un documento surgido desde la comunidad.

Victor Costales y Julia Rometti (Minsk, Bielorusia, 1974)
Proyecto “Vegetación – Agitación o los movimientos de las plantas”.

Descripción de la propuesta

Nuestra propuesta se basa en el registro y estudio de plantas en movimiento, a través de los cuales intentamos articular las siguientes nociones: propaganda, agitación, animismo, movimientos, corrientes, tragedia griega y teatro popular.

Este proyecto se ve como una instalación hecha a partir de elementos concebidos con medios de naturaleza y lenguaje diversos. Textos impresos, afiches, imágenes filmadas, fotografías, piezas sonoras, objetos ready-made y construidos, compondrán una constelación que girará alrededor de un conjunto de imágenes filmadas. Imágenes movimiento: como parte central de la instalación será realizada una filmación de planos secuencia de vegetación diversa en su contexto original, agitada por el viento. Se filmarán especies que hacen parte del grupo de plantas de interior encontradas en todo el mundo, pero cuyo origen está en los bosques umbrosos y la amazonía ecuatoriana; como por ejm.: Fittonia, Calathea, Caladium bicolor, Monstera dilacerata, Carludovica palmata, etc.

Estas imágenes servirán como eje central de un plano operacional a través del cual se construirán relaciones transversales entre los elementos mencionados anteriormente. Con la ayuda de montajes, correspondencias, analogías disparates y secretas, planos semánticos sobrepuestos, etc. intentaremos construir la historia del “agitprop vegetal”, sus modos de propagación (tragedia griega, teatro popular), sus varias corrientes y especulaciones.

Esta investigación se inscribe en el marco de nuestras prácticas artísticas actuales. Dichas prácticas se nutren de recursos poco convencionales, tal el uso riguroso del azar como instrumento metodológico, de la reevaluación y el enfoque transversal de contextos político-socio-culturales y geo-históricos.


Christian León (Quito, Ecuador, 1974)
Proyecto de investigación sobre “Cuerpo, género y sexualidad en el videoarte ecuatoriano (1990-2010)”.

Justificación del proyecto

Los discursos de género y sexualidad empiezan a tener cada vez más peso en la escena artística ecuatoriana. El colectivo Ruta 5 realizó la exposición “En Guayaquil las mujeres no hacemos arte”, en febrero de 2010, en la galería Espacio Vacío. El Centro de Arte Contemporáneo de Quito acogió dos importantes actividades: en noviembre del 2011, la muestra “Proyecciones del Cuerpo Femenino. Identidades Low/Tech”; en mayo del presente año “Amistades Ilícitas” organizado por distintos colectivos GLBTI. En este mismo mes se realiza el primer encuentro abiertamente feminista del país: “Arte, mujeres Ecuador” organizado por el colectivo La Emancipada en el Museo de Artes Gráficas de Quito. Finalmente, en octubre próximo se realizará en Quito el primer “Coloquio Internacional Interdisciplinario pensando “lo queer” desde y en América Latina” que contará con un programa de arte y cine.

A pesar de tal situación, críticos, investigadores y curadores ha ignorado la perspectiva de género. Hasta la fecha, no existe ninguna investigación exhaustiva que de cuenta de estas nuevas tendencias del arte nacional. Consciente de este vacío crítico, realice un dos acercamientos al tema. En julio del 2009, realice una ponencia dentro del Simposium “Videoarde” organizado por Archivo Escoria y la Universidad Andina Simón Bolívar: “Género, visualidad y videocreación”. En junio del 2011, en el marco del Quinto Encuentro de la Sección de Estudios Ecuatorianos de LASA presente la ponencia “Devenir-mujer, devenir-pixel. Videocreación y género en la cultura visual ecuatoriana de la última década”.

Con la presente investigación se busca continuar estas líneas de investigación y ampliarlas con la finalidad de producir conocimientos sobre esta importante tendencia del arte contemporáneo ecuatoriano. El aporte es generar conocimientos que permitan sirvan tanto a los agentes del campo del arte como a comunidades y activistas vinculadas con temáticas de género y sexualidad.

Paulina León, en representación del colectivo CALEIDOSCOPIO PRODUCCIONES ARTÍSTICAS (Quito, Ecuador, 1978)
Proyecto “EN-SEÑAS video”.

Descripción de la propuesta

En el país la producción de material que sirva para la transmisión de conocimientos para la comunidad sorda es sumamente escaso. No existe material educativo y/o comunicacional (didáctico, textos, historia, literatura, cine, etc.) en lengua de señas ecuatoriana. Reconociendo este vacío creemos que cualquier proyecto de capacitación y/o formación en arte debe incluir la trasmisión de herramientas adecuadas para su uso por parte de la comunidad sorda.

El Instituto Nacional de Audición y Lenguaje (INAL), escuela y colegio público para personas sordas que funciona por más de 30 años en la ciudad de Quito y que imparte sus clases de manera bilingüe (LSEC y español escrito) no ha logrado aún generar y utilizar material específico para personas sordas, salvo excepciones puntuales. A pesar de que existen esfuerzos por sacar adelante estos procesos, la institución no cuenta con los recursos ni el personal calificado, pues la mayoría del personal docente no domina la lengua de señas. La falta de una educación apropiada y de calidad dificulta obviamente el desarrollo y aprendizaje de los niños y jóvenes sordos. Esta situación ha provocado que la comunidad sorda exija cambios en la Institución. Este año se ha aprobado el cambio de rector quién después de más de 15 años será remplazado por una persona que domina la LSEC, que ha sido una activista por los derechos de las personas sordas y que implementa en la educación el sistema bilingüe, priorizando la

En esta coyuntura Caleidoscopio Producciones Artísticas cree indispensable continuar el trabajo creativo iniciado ya hace 3 años con un grupo piloto de jóvenes sordos del INAL y ratifica la comunicación gesto visual como la forma natural de comunicación entre las personas sordas. Por tanto buscamos reforzar la utilización de la LSEC en los procesos artísticos, reconociendo a la lengua de señas como la herramienta ideal de comunicación en las personas sordas, que posibilita el desarrollo de pensamiento crítico, de pensamiento abstracto y por tanto del pensamiento creativo y la expresión artística.
Por otro lado debemos decir que las personas sordas tienen el sentido de la visión sumamente desarrollado.

Pueden prestar atención a varias situaciones simultáneas, e incluso se ha demostrado que han desarrollado la visión periférica, es decir su radio de visión es más amplio que el de los oyentes. Además debemos recalcar que la lengua de señas al ser una lengua gesto –visual tiene incorporada una estructura compuesta por la sucesión coherente y ordenada de imágenes. Se puede comparar el hablar en lengua de señas con la construcción de una película. La lengua de señas establece primero el contexto de la acción, a manera de plano general, y poco a poco va incorporando personajes y acciones en distintos planos.

Alex Schlenker (Quito, Ecuador)
Proyecto “Trascámara: la imagen pensada por fotógrafos”.

Descripción de los contenidos editoriales

A partir de un debate epistémico -el llamado "desenganche" es el punto central del mismo- se diseñó un marco teórico y una estrategia metodológica para la recopilación de las respectivas conversaciones, entrevistas y correspondencia con distintos fotógrafos/artistas visuales generados entre 1996 y 2012 en torno a la pregunta ¿qué es la imagen y cómo opera? Este libro se plantea el lugar de la creación como el de un quehacer que está atravesado por debates y reflexiones teóricas que, frente a la obra a ser expuesta, pasan a un segundo plano. De esta forma el libro incluirá una veintena de aportes -20 fotógraf@s de Ecuador (10) y de otros países (10)- editados por el autor, los mismos que permiten demostrar que el lugar de la creación artística es al mismo tiempo un lugar de reflexión y producción teórica. TRASCÁMARA recoge así la reflexión teórico-práctica de fotógrafos como Francois Laso, Sara Roitman, Frank Gaudlitz, Margarita Monsalve, Hans-Peter Klie, entre otros. La publicación la cierra un capítulo de conclusiones y preguntas de trabajo, así como una sección de anexos con documentos varios.

PRENSA:

Texto publicado en "Cartón Piedra", suplemento cultural de Diario El Telégrafo, el día domingo 2 de septiembre de 2012, páginas 24 y 25. 
Se puede descargar este suplemento, en formato pdf, en la siguiente dirección: http://www.telegrafo.com.ec/index.php?option=com_eventlist&view=details&id=2485:septiembre-02-de-2012&Itemid=52


UN PREMIO QUE EMPIEZA, UNA ESCENA MÚLTIPLE.
Por Ana Rosa Valdez (Historiadora del arte y Curadora)
Coordinadora del Premio Nacional de Artes Mariano Aguilera


:::el contexto:::

Desde hace algunos años, en la escena artística del Ecuador, ocurren procesos de reflexión y creación artística que demandan de las instituciones culturales atención, compromiso, rigurosidad y transparencia con la labor que realizan los artistas emergentes y los gestores culturales; quienes de muchas maneras “se las arreglan” para subsistir en un medio aún precario en muchos sentidos, sacar adelante proyectos y producir obras. Muy pocas instituciones han logrado asimilar las nuevas formas de trabajo que desarrollan los creadores contemporáneos,  por diversos motivos; la falta de especialistas en arte y gestión, la escasez de recursos y presupuestos, y el desconocimiento de las políticas culturales que se  deberían aplicar a los programas. A esto se suma una multiplicidad de necesidades, peticiones, reclamos y cuestionamientos generados desde diversos sectores del campo artístico. Además, no todos los espacios y plataformas de arte funcionan igual,  no todos tienen unos mismos objetivos. Por lo tanto, la labor desde la institución se complica un poco, y está bien que se complique, porque ¿qué es el arte sino un espacio de tensión permanente?

Por esto, cuando desde el Centro de Arte Contemporáneo de Quito, se planteó una nueva conceptualización del Salón Mariano Aguilera, surgieron inevitablemente preguntas sobre cómo atender las demandas que tienen los creadores de arte hoy en día. A continuación, algunos puntos importantes al respecto:

:::del salón al premio:::

El formato “salón de artes” surgió en el siglo XVIII, en París, como un espacio de reconocimiento público sobre el valor de las obras producidas desde la Academia. Durante todo el siglo XIX se consolidó como un lugar privilegiado y, aunque tuvo oposición, se produjo sus mismos mecanismos de legitimación de sus antecesores. Ya en el siglo XX, fundamentalmente a partir de las dos últimas décadas, se tornó inoperante en el escenario internacional, porque los modos de participación y premiación que instauró se hallaban muy anclados a la forma de producción académica de los artistas del siglo XVIII y XIX, de ahí que surgieran nuevas estrategias de reconocimiento, más allá de los salones, para las prácticas de arte que cuestionan el paradigma moderno de creación artística: la materialidad de la obra, el virtuosismo técnico, la unicidad y el valor aurático, la genialidad del autor, etc.  
En el Ecuador del siglo XXI, los procesos artísticos trascienden a las obras “materiales”, como pinturas o esculturas, también se asume la creación del arte desde otros recursos: la reflexión sobre los lenguajes artísticos y sus posibilidades de experimentación, los conceptos ampliados de géneros tradicionales como la pintura y la escultura, el uso de nuevas tecnologías, los cruces entre disciplinas, los diálogos del arte con otros campos del conocimiento, como la antropología, la economía, las ciencias de la vida, etc.

Por las razones antes expuestas, se planteó un cambio del salón al premio, precisamente para responder a otras formas de legitimación del arte contemporáneo necesaria en la escena local, menos eventistas, más procesuales y coherentes con las necesidades de los agentes y las organizaciones artísticas.

:::premio a la trayectoria:::

Este premio busca el reconocimiento de un conjunto de procesos de creación desarrollados a lo largo de una carrera (de mínimo 15 años), más que galardonar una obra. Aquí hay un punto de quiebre que es fundamental, porque al plantear este premio, no sólo se apunta a la organización de un evento, donde se hace público el valor de una obra concreta, sino que más bien se procura tener una visión global sobre la creación artística que un/a artista ha logrado realizar en diferentes momentos de su vida. Desde esta perspectiva, se plantó como necesaria una exposición antológica que permita investigar los procesos y las obras del/la artista ganador(a), y presentar al público un concepto curatorial y museográfico pertinente.

:::becas de creación e investigación artística:::

Necesitábamos crear un programa de fomento al arte contemporáneo que constituyera un incentivo que fuese, ciertamente, económico, pero que también contara con asesorías y acompañamiento de procesos de creación. Por ello, se establecieron las becas del Premio Nuevo Mariano, que intenta “inyectar” fondos en proyectos que requieren financiamiento para su realización, principalmente propuestas presentadas por creadores emergentes o de mediana carrera.

Otro punto de quiebre, fue el establecimiento de categorías para estas becas. Comprendiendo que las formas de creación artística hoy en día no se limitan a la producción de obras de arte, se amplió el espectro de posibilidades para la participación hacia campos como la investigación sobre arte contemporáneo, la curaduría, las nuevas pedagogías del arte y las publicaciones.

:::profesionalización del campo artístico:::

Desde esta primera edición del Premio Nacional de Artes Mariano Aguilera (versión Beta, como diría Javier Duero, miembro del Comité de Jurados), se ha podido constatar al menos dos situaciones relevantes que caracterizan el campo artístico local. En primer lugar,  la alta calidad de las propuestas ganadoras, en ambas modalidades. En el Premio Nuevo Mariano, los artistas, investigadores y gestores que han obtenido las becas, respondieron con profesionalismo a la convocatoria, sus aplicaciones cuentan con excelentes portafolios, y la conceptualización de sus propuestas es solvente. Entre los ganadores, hay artistas que están trabajando en espacios internacionales, pero que dialogan permanentemente con la escena cultural del Ecuador. Otros que, a pesar de estar produciendo dentro del país, miran también hacia los circuitos internacionales de legitimación del arte. Y están también los artistas emergentes que apuestan por una carrera profesional en las artes visuales. Y en segundo lugar, cabe señalar desde una perspectiva general, que se puede profesionalizar la elaboración de proyectos y portafolios entre artistas y gestores culturales, para facilitar una aplicación más amplia. Ciertamente, no todos los participantes cuentan con una formación académica y una experiencia laboral consolidada. Hemos recibido las propuestas reflexivas, críticas y muy creativas que no están bien planteadas en los proyecto.

:::programas de formación:::

Frente a esta segunda situación, el Centro de Arte Contemporáneo desarrollará un “Programa de Formación en Arte Contemporáneo y Gestión Cultural” para fortalecer la próxima convocatoria del Premio, en el cual se impartirán talleres de creación de portafolio, de creación de statements, de elaboración de proyectos artísticos y culturales, de curaduría y gestión de proyectos culturales, de aplicación a becas internacionales, entre otros, que favorecerán no sólo las aplicaciones al Premio Nuevo Mariano, sino también a otros programas de incentivo (becas, bolsas de trabajo y residencias) dentro y fuera del país, y de esta manera,  lograr una incidencia en la escena artística múltiple, que actualmente existe en el Ecuador.


En ese mismo suplemento, se encuentra un texto de María Fernanda Cartagena: "El deseado giro por fin llega al Mariano Aguilera", página 26. 


El deseado giro por fin llega al Mariano Aguilera
Por María Fernanda Cartagena

El certamen de arte más antiguo del país este año se reactivó a partir de un profundo redireccionamiento de sus objetivos. El nuevo Mariano Aguilera responde a un necesario y radical giro donde la Municipalidad de Quito por fin se ha comprometido a acompañar de manera más real y efectiva al arte contemporáneo del país. A lo largo de su historia el evento ha atravesado varias crisis de diversa índole que han conducido a su suspensión en varias ocasiones. Problemas estructurales, desaciertos en su conducción conceptual y sobre todo falta de profesionalismo en su manejo, nos arrojaron tristes resultados en muchas ediciones, dando como resultado un balance negativo para el campo del arte, así como una imagen perjudicial. Luego de varios años de suspensión, hoy el evento resucita en un nuevo contexto. Si en su momento el Mariano Aguilera no supo apoyar la emergencia del arte contemporáneo local, trabajo ganado con gran esfuerzo por diversos actores a espaldas de la institucionalidad; en la actualidad, frente a la proliferación de manifestaciones contemporáneas y sus múltiples circuitos de inscripción, el evento enfrenta el desafío de sintonizar con su efervescente ritmo. El Centro de Arte Contemporáneo ha asumido con gran agudeza y profesionalismo este desafío.

Entre los aciertos de la nueva estructura del evento me gustaría destacar la atención a diferentes prácticas que en su complementariedad constituyen el sistema del arte contemporáneo. Así, no solo la creación artística, sino también la investigación, publicación, curaduría y pedagogías experimentales, prácticas históricamente relegadas en nuestro medio, cuentan hoy con una plataforma para su fortalecimiento. El eje de esta acertada renovación se centra en el apoyo al desarrollo de proyectos, por lo que el premio económico se convierte en un verdadero estímulo para la producción artística en sus diferentes etapas.

El seguimiento y sobre todo acompañamiento al proceso creativo, aspectos claves, han sido adecuadamente contemplados por el premio. Otro de los logros alcanzados en la nueva conceptualización es la premiación a la trayectoria artística, justo reconocimiento que en esta edición lo recibe el artista cuencano Pablo Cardoso. El afianzamiento de referentes para una genealogía local, la gran oportunidad que brinda el apreciar una trayectoria en su conjunto, y su amplia difusión constituyen sin duda la mejor forma de reconocer y valorar el quehacer del artista. Grandes son hasta hoy las virtudes en la conceptualización, convocatoria y proceso de selección del nuevo Mariano.

Con respecto a los premios otorgados, me gustaría realizar breves consideraciones. El que la categoría de curaduría haya quedado desierta y el que únicamente haya un galardonado para las categorías de investigación, publicación y pedagogías dice mucho de los vacíos que el medio enfrenta en estas prácticas. Por otro lado, desde mi parecer, sin excluir a artistas ecuatorianos que residen en el exterior, el premio debería fomentar prioritariamente procesos locales. Creo que de lo que se trata es de brindar a los artistas que desarrollan su trabajo primordialmente en el país, el tipo de oportunidades que en otros lugares se ofrecen, sobre todo considerando que este evento municipal se propone “transformar permanentemente la escena artística local”, como reza en sus bases. En todo caso, lo mejor está por venir y esperaremos con gran entusiasmo la exitosa realización de los proyectos, ya que con su favorable desarrollo nos beneficiamos todos quienes formamos parte de la potente escena de arte contemporáneo ecuatoriano.



"El Mariano Aguilera", por Alexandra Kennedy, en Diario El Comercio, del sábado 1 de septiembre de 2012. 


El Mariano Aguilera
por Alexandra Kennedy
TIEMPO DE LECTURA: 2' 47''
NO. DE PALABRAS: 470 / Sábado 01/09/2012

Nuevas denuncias sobre el irregular manejo del Salón de Julio como si fuera hacienda propia. Se irrespeta abiertamente la libertad del artista de interpelar a los sectores de poder a través de su obra. Esta se retira de la esfera pública por orden del alcalde o del director de cultura de siempre. En estas arbitrarias medidas nada cuentan la experticia de críticos o gestores culturales, el público o la misma comunidad de artistas contemporáneos.

A diferencia de este caduco Salón porteño, recibimos la grata noticia de un ‘nuevo’ Mariano Aguilera, que se reafirma en el procedimiento de convocarlo como premio, no como salón. Premio a propuestas y procesos, 10 becas otorgadas a experiencias en diversidad de prácticas artísticas que dan fe de la transformación permanente que vive la escena contemporánea nacional en diálogo con tendencias internacionales. Extraordinario trabajo del Centro de Arte Contemporáneo de Quito, jurados técnicos y artísticos que han logrado romper con el tradicional concepto de salón y que han trabajado en decenas de propuestas que se enviaron a las nuevas categorías instauradas: creación artística, investigación, curaduría, nuevas pedagogías del arte y publicaciones. Es sintomático el haber declarado desierta la categoría de curaduría, un llamado a crear procesos de reflexión y crítica desde las universidades.

La primera, la más nutrida, recibe 7 de las 10 becas otorgadas a propuestas jóvenes de artistas en su mayoría comprometidos con el gran cambio que sufre el país, rigurosos en el planteamiento de lo procesal, integrando lo transdisciplinar y las prácticas creativas que se enfrentan con las nuevas tecnologías, el audiovisual y la tradición. Desarrollarán sus propuestas en los siguientes 7 meses en corresponsabilidad con la institución. El artista de hoy también es un activista, un educador, un explorador de conceptos. Su presencia en la arena pública es fundamental para activar públicos y usuarios, no simplemente visitantes. Se desea un usuario partícipe que salga con experiencias y cuestionamientos de la realidad, en una exhibición no curada o dada de antemano, sino en un cúmulo de experiencias que no se quedan en objeto coleccionable.

Consecuentes con esos planteamientos se ha premiado, por la Trayectoria Artística, a Pablo Cardoso, un artista profesional excepcional que supo generar un lenguaje transicional hacia las nuevas prácticas, recorridos o geografías que pintaba recogiendo la visualidad propia de la fotografía y construía cartografías inquietantes, entre muchas otras propuestas.

Celebramos el Nuevo Mariano Aguilera como una forma de empoderamiento y ratificación de la creación artística del siglo XXI, modelo que podría tener interesantes repercursiones en otros salones del país.

"curaduría de contenidos" por Ana Rosa Valdez

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