Río Revuelto TV: De Los Letargos Felices : Conversación con la curadora María Inés Plaza
Parte I
Parte II
“Uno
cree alejarse y se vuelve a encontrar en la vertical de sí mismo”
(Michel
Foucault)
DE
LOS LETARGOS FELICES – DER GLÜCKLICHEN LANGEWEILEN
El pensar como
experiencia universal y por lo tanto reconocible en cualquier parte del mundo
es lo que colma las obras en „De los letargos felices – Der glücklichen
Langeweilen“. Estas contienen ejercicios de confrontación con lo visual
como transparencia recíproca entre el saber y el tiempo, y se encuentran
vinculadas con lo que Michel Foucault llama „El pensamiento de afuera“.
El „afuera“ dentro de esta muestra pretende ser visualizado como aquel espacio
neutro, es decir, una heterotopía (siguiendo el vocabulario de Foucault) como
instancia del conocimiento que ya no es el espacio tradicional y cerrado de la
representación, sino un centro donde todo diálogo sea posible. Entre este
pensar y este afuera se encuentra el letargo, origen y muerte de la curiosidad,
el miedo y la angustia, motores de la búsqueda de idealidades. El título de la
muestra avisa un plural a pesar de que el letargo en sí (y langeweile en
alemán) es un sólo estado.
El letargo como
una preocupación filosófica desde Kierkegaard, influye sin duda en la
concepción de la existencia en la sociedad moderna alemana. Pero ya que „De
los letargos felices“ muestra imágenes que son a su vez estados filosóficos
donde el tiempo es el objeto en cuestión, encienden estas en su abstracción una
diagnosis social de los diversos circuitos artísticos en Munich. Son las obras
de artistas de esta ciudad, las que he podido seguir durante estos últimos
cinco años y que reúno en la Casa
Cino Fabiani.
El lenguaje de
las emociones aparece apagado, pero latente. En la transparencia poética de Replika
de Ayzit Bostan y su compañero Gerhard Kellermann,instalación en
las loggias del Hofgarten (Jardín del palacio real) de Munich, lo que activa
sus cortinas son una brisa que recuerda a la epoca de lluvias en Guayaquil. Replika
es una apropiación visual de las cortinas de la Plaza de San Marco en Venecia,
que activa discursos alrededor de la relación arquitectónica y histórica entre
los espacios públicos construidos en el siglo XIX en Munich del rey Ludwig
segundo – inspirados en los ideales renacentistas italianos – y Venecia como
puerto hacia la importación cultural desde Constantinopla. Bostan, nacida en
Turquía, reactualiza los aspectos transculturales venecianos en la Alemania de
hoy y la presencia de oriente medio en su cultura. Más allá de aquello, Bostan
alude el potencial semiótico que las cortinas en sí encierran : Como velo,
como elemento ornamental, como característica teatral. Bostan desprende las soñolientas
cortinas venecianas de su contexto original para otorgarle al Hofgarten de
Munich el aspecto fantasmagórico de las pomposas fiestas de antaño, haciendo a
su vez un comentario dulzón a un cierto amaneramiento de clase alta de Munich,
pero también a la procrastinación nocturna y sus derivaciones.
Gabi Blum por
su lado hace un escape a Estados Unidos para preparar un video llamado Lone Star, apropósito de un ideal
americano y sexista alrededor de la mujer, pero también una manera de
aburrimiento propio a nivel existencial; global, si lo vemos como una reflexión
acerca del trabajo de artistas en medio del movimiento masivo de información de
nuestro tiempo, que buscan, como allá los romanticos en el siglo XIX, una
distancia, hoy cada vez más dificil. Su calendario « It's a matter of
taste » se podría definir como una formalización del aburrimiento
(Como el título de la obra de Jürgen Klauke en los ochenta) : Blum repite
la misma pose en el mismo atuendo con una lata de cerveza « Bush » en
la mano a lo largo de 12 Moteles en el desierto americano. Aquí es posible
regresar a lo que Kierkegaard dice sobre el gusto : Es la posibilidad de
escoger, lo que hace del gusto una opción ética. A su vez la artista juega con la definición para el artista
de “vender una obra” (Como Andrea Fraser), y ella, con tono burlesco, lo hace
como si fuese cualquiera sin otras ambiciones que ganar un poco de dinero.
« How to start a revolution/Como
empezar una revolución« es el proyecto que desde hace algunos años
Anna McCarthy viene desarrollando. McCarthy – al igual que Bostan y Blum
– son personajes que han visto mutar la escena « Underground » desde
finales de los ochenta. McCarthy es a su vez eje de la banda Damenkapelle y
hermana de uno de los músicos de Franz Ferdinand (la artista es autora del
primer cover en el 2004) probado y visto desde cerca lo fácil que es tracionar
fundamentos propios para evitar roces graves con el mainstream. En la obra de
McCarthy el aburrimiento es sintomático y viral, es un problema personal y que
ella ve reflejado en su entorno, en la historia y políticas europeas de la
posguerra y guerra fría; las revueltas de estudiantes de 1968 y el
« rock-n-roll » que en su momento significaron una luz de la crisis
sociocultural, son hoy para Anna McCarthy nada más que una leyenda maquillada y
obsoleta. Las polaroids de Keith Sirchio son retratos que descubren la dulzura
irónica de McCarthy que acompaña sus obras.
Por su lado, Oh Seok Kwon mantiene
un trabajo altamente poético, que gira alrededor de la construcción epistémica
de la Observación, el Mirar. Oh Seok en su más reciente exposición mostró las
ultimas colillas de cigarrillo que ha fumado, y cada una clasificada con una
nota adjunta :« Johannes acaba de hacer un chiste » o « Un
cabello sobre la mesa » o « Seoul ».(Aquí hay un guiño claro al
conceptualista On Kawara, quien se dedicó sobretodo a documentar el paso del
tiempo y la pura conciencia ante tal fenómeno). Oh Seok es sin embargo alguien
que apela sobretodo al valor del tiempo en la historia individual, la propia
percepción de la vida en sí, la manía de querer acumular cada fragmento de la
biografía propia.
Otra manera de
“capturar” es la de Martin Hast. Dogmáticamente siempre cuadradas, este
es un formato que avisa una manipulación del marco de exposición y de la
detallada construcción de los escenarios que fotografía. La aparente
tranquilidad es en sí un juego con la percepción, con la sensación de "perder"
o "alargar" el tiempo. Su serie de personas durmientes lo convierten
automaticamente en un vouyerista, sin embargo su presencia parecería cumplir un
rol en cada escena. La aparente tranquilidad de sus fotografías que advierten
una atenta mirada contemplandolo todo, alertan a la posibilidad de un repentino
vuelco del letargo a la violencia (Heidegger encuentra en este vuelco la
explicación de la hostilidad durante la época de extrema pobreza de entre
guerras en la república de Weimar, evento que se puede entender también como el
origen del facismo alemán).
Los cuadros de Philipp Guffler son
lugares aislados que han brotado del entendimiento moderno del espacio y el
tiempo. Room for art lovers (2011) ofrece un efecto de resplandor ;
lo que vemos son las sombras (o vacíos) de los objetos que constituyen esa
habitación para amantes del arte, parafraseando a su vez las condiciones de los
primeros espacios de expocisión en occidente : el studiolo, la galería
privada de curiosidades y artefactos científicos, tanto como souvenirs de
territorios exóticos (el Kuriositätenkabinett (Gabinete de
curiosidades)) ; reflexionando a su vez el concepto espacial de lugares de
exposición y la capacidad que contienen las obras de arte para transformalos.
Las piezas de Sarah Lierl son objetos originados en
dos momentos diferentes: durante y fuera de la jornada de trabajo normal.
Los anillos de pelotas son como bolas de pelo para gatos, accesoires que
recuerdan a la representación del letargo como lujo y a la vez desesperación en
Marie Antoinette de Sofía Coppola, un filme lleno chantilly y tardes ociosas.
Estos cristales gravitantes en acero son contrastes a las motas de lucidez que
brindan los « utillajes » que Lierl tejió este año durante sus varias
estadías en el hospital; son largos y compactos nudos que Lierl construyó con
material que tenía a la mano, evitando la angustia del letargo.
El miedo a que este letargo no termine es
formulado en Krystallo, un
planeta imaginado por Jonathan Penca
y su compañera Charlotte Simon. Fundamento de esta idea es que Krystallo provee
a sus habitantes todo lo que necesitan, y la única diversión de Penca y Simon
que queda es mirar a las estrellas; Pareciera un cross-over entre el Principito
de Saint-Exupery y el monje frente al mar de Caspar David Friedrich, un
encuentro con el origen y muerte de la existencia. Krystallo como performance
de Penca y su compañera es a su vez la manifesta herencia del Trash, de Bowie, de Kraftwerk y el
cyber-punk (Véase Tetsuo – The Iron Man): la herencia de la primera generación
de hombres-máquinas en el imaginario pop.
Que los artistas
en sus obras se representen a sí mismos como emigrantes de su propia condición
resulta en el contexto guayaquileño un punto de contacto con la búsqueda de
otras poetologías alrededor de la construcción de individuo y su
apreciación psicográfica del tiempo. La pregunta de como esto puede ser
abordado en el arte, apelando a la responsabilidad del artistas con su lugar de
origen, se cristaliza en estos etéreos imaginarios.
Las obras están
conectadas a través de esta idea del letargo como una solución mental a
cuestionamientos individuales; una idea plausible si nos fijamos en que el
aburrimiento no es sólo un estado sino causa y efecto, elemento alienígeno en
la vida moderna. Dandole la vuelta al letargo como el verdadero momento de
productividad – de un encuentro con la libertad del pensamiento al alejarse de
la rutina diaria – significa esto el poder reconocer a modo de Kierkegaard que
„la venenosa duda en el alma devora todo“.
María Inés Plaza-Lazo,
Iberia – Vuelo IB7303 (Múnich – Guayaquil)
Diciembre 2012.
Fotografías y entrevista: Rodolfo Kronfle Chambers
