domingo, diciembre 20, 2009

Playlist 2007-2009 en Guayaquil


http://riorevuelto.blogspot.com/2009/10/playlist-2007-2009-proceso-cuenca.html
Reportaje Diario El Universo
Reportaje La Revista - Diario El Universo
Reportaje Diario El Telégrafo




Slideshow cortesía de Javier Lazo

 De la noción de perderse (ó imágenes que se bifurcan)

Un proyecto que trascienda el espacio de la crítica y desemboque en un proceso operativo capaz de definir el presente y sus sujetos de representación artística;  eso es lo que podríamos llamar al Playlist presentado por Rodolfo Kronfle Chambers y Cristóbal Zapata. Esta muestra, cuyo origen es diseñado alterno a la X Bienal de Cuenca, sucede por primera vez como una opción para el nuevo espectador, el "emancipado", como se ha querido citar a Ranciere en el catálogo introductorio: Para aquellos que visitan las bienales con expectativas mucho más ambiciosas que los visitantes en sus primeros intentos, para quienes conocen ya las variaciones entre los circuitos culturales resulta Playlist un claro ejemplo de la confrontación entre actores y espectadores en eventos de esta naturaleza, debido a que los horizontes de las bienales se han venido difuminando en la inercia de la incertidumbre y ambivalencia del valor de una obra de arte dentro de ellas. Es de aquella inestabilidad de la que se aprovecha Kronfle para situar, objetiva y astutamente obras a presentar como un triunfo en el arte. Lo que premia aquí esta lista de reproducciones no es al greatest hit, sino ese eslabón que se une a las demás piezas de la máquina de hacer cultura. La responsabilidad del que visita la muestra llega a ser quizás mucho más visible que la del curador.

La oportunidad de exponer Playlist en el Museo Municipal de Guayaquil varía en su condición; el simple traslado de ciudad a ciudad hace que el concepto original aproveche otras funciones en diferente orden prioritario. El video de Juan Carlos León parecería llenarse de connotaciones por el simple hecho de referirse directamente a Guayaquil y al tiempo que domina a la ciudad en el espacio indicado. Es un discurso de 45 años que en el video de León hilvana las cabezas de dos tiempos, que sirven para relatar el curso eterno, mítico como Sísifo, de la realidad portuaria.

Es como el Memorial (2008) de Oscar Santillán, la mirada del venado frente a un (periódico) desierto, donde propone pensar en la diaria tragedia del olvido, de  la fragilidad del conocimiento, de la impotencia del verbo humano esperando al futuro como el horizonte de todos sus accidentes. Casi apuntando al venado, está el dispositivo fotográfico de Santillán que pretende grabar cien años de ínfimos momentos, aguardando el momento en el cual el resplandor deseado aparezca. Es esta frágil estética de la sorpresa, la que interesa a Stéfano Rubira al apropiarse de escombros de la infraestructura urbana como si fueran estos pedazos de cemento el objeto encontrado para reinterpretar los valores de la memoria ausente, para lograr así un equilibrio entre la diversidad de emociones que el material y “lo” inmaterial le otorgan a la obra. Es este juego de presencia y ausencia el que le da sentido a la serie Tumbado de Rubira, como si este hablara del techo que cae encima del cuerpo inerte, diminuto hecho a lápiz, que a pesar del peso material logra una aleteante ligereza.

Con Playlist lo que sucede es por consiguiente algo curioso: la selección de obras hechas por el curador que parte de un impacto explícitamente individual, es sin embargo de índole colectiva. La agorafobia peculiar de Roberto Noboa en 5:30 AM ya se habían ido todos (2008) y Ping Pong y Tenis Rural (2008) pone en escena el horror hermético de una pregunta sin respuesta, que supone a las figuras ausentes, casi en el borde en el que nosotros ondulamos, el momento inquietante de tener que enfrentar un último y único partido. Es ahí, en las ruinas de Noboa, donde todo parece llevarnos a algún significado asegurado, donde no vale más que recurrir a todo lo que no sea familiar, sin tener que olvidar nuestro punto de inicio: la sola y simple imagen.

La consciencia sobre la imagen es también un motivo de peso en la obra del antropólogo X. Andrade, que le paga al pintor de la esquina para que interprete la idea, a partir de láminas escolares, de los problemas sociales como la prostitución, las drogas y el terrorismo. El amateurismo en la factura de estas reproducciones nos pone a reflexionar sobre la responsabilidad del autor con respecto a la imagen producida, pero sobre todo al interés que tenga este para poder llamar esa reproducción, una obra de arte. Ahí, en esa esquina entre Noboa y Andrade, ya hay un intenso intercambio discursivo.

El grupo y el individuo, en un mismo contexto, van moldeando de manera heterogénea, lo que se entiende como identidad,  bajo los varios intereses que se conforman dentro de una región en particular. En  ”Mi Recinto”, como en los otros capítulos de la muestra, “El paisaje entrópico”, “Noticias de la diáspora” y “Derivas del yo”, se albergan ejemplos de la fauna conceptual de artistas como la Fernando Falconí y su serie Excursiones. Ahí están sus cuadros que, a través de ilustraciones de las que el artista se apropia y que portaron los libros escolares de la mayor parte del siglo XX, descolocan – en su perversidad- la imagen que se pretende mostrar como identidad, en una edad donde los sentidos ya buscan el desvío.

La herencia cultural y sus múltiples raíces que asocia Juana Córdova en su serena y dulce Botica (2007/08) son puestas a prueba sin misericordia alguna con el grotesco de lo marginal de Wilson Paccha. En Descaletados (2007) se arrastran las lavacaras con sangre, al antihéroe local con el pecho flácido le son inalcanzables los zapatos enormes entre una que otra cucaracha. Asociar y disociar todos estos aspectos mencionados, contribuye a la apreciación de esta (bio)diversidad artística propuesta. Otorgarle a Kronfle el título de autor de este espectáculo  no es un error; tanto él como el espectador saben que el protagonismo le pertenece a los derives de los artistas y sus reflexiones.

La reconstrucción que el curador hace en Playlist difiere sin embargo de alguna pretendida arqueología de la escena del arte en Ecuador. Kronfle ha escogido estratégicamente el campo 2007-2009, como indica en su condición de cronista, para anotar lo que testificó en carne propia durante la evolución de cada uno de los artistas. Su texto (de)constructor cuestiona escrupulosamente los ejes prioritarios de la producción cultural de nuestra localidad, a su vez afirmando lo que define hoy las características de la misma. My pictures from Ecuador (2009), de Karina Skvirsky Aguilera, quien presenta por primera vez en sintonía de compatriotas parte de su ciclo Memorias del subdesarrollo, es un sencillo y claro ejemplo de la exploración personal del artista convertida en una experiencia general, una distancia acortada entre la historia familiar y la historia nacional, que sin embargo mantienen una intimidad absoluta.

Hacer historia, crear intimidad y distancia, son a su vez un objeto de aproximación virtual, desde la perspectiva anónima de la experiencia única, donde lo real solo es posible a través de un filtro,  desde el emocional hasta el digital. Las imágenes extraídas de Google Earth que trabaja Pablo Cardoso en el conjunto de acrílicos Nowhere (2008), me recuerdan a las primeras tomas de películas como The Birds, de Hitchcock, The Shining, de Kubrik o Ghost Dog, de Jarmush. Los particulares protagonistas en cada una de ellas se encuentran perdidos en el paisaje miniatura, mientras el espectador trepado en la periferia, intenta atravesar su condición vertiginosa, suicida. Eso de que “de este mundo no podemos caernos”, el sentimiento de indisoluble comunión, de inseparable pertenencia a la totalidad del mundo exterior, es para Freud motivo de penetración intelectual a urgencias mucho más religiosas, oceánicas. Por lo menos hacia el exterior, consuela el psicoanalista, el yo parece mantener sus límites “claros y precisos”.

Una oferta como Playlist puede entonces ser rescatada de un clima de aceptación y complacencia generalizada, pues a pesar de tener una estructura formal fiel a los principios del placer, es  parte de esa larga pugna de “validación” de las prácticas contemporáneas en el arte ecuatoriano. El fondo de las polémicas de nuestra cultura sigue siendo una confrontación de paradigmas, de los cuales Kronfle se separa, sin aislarse en caprichos. Repeat, Repeat one, Random; revisando y repitiendo los encuentros es como se persigue una respuesta determinada a este testimonio de obras como -y con esto no alargo el abrebocas- el laberinto de Manuela Ribadeneira, Change is round the corner (2009).

Típico en cualquier discurso de revoluciones, el radical e insuficiente “el cambio está a la vuelta de la esquina”, aparenta también una transparencia de juegos infantiles. Que sea esta frase, la que abre/cierra las puertas a los espejismos (no son espejos, sino un dominó de acero inoxidable… vaya material para remitirme a la inquietante eternidad) de Ribadeneira, recuerda a lo que dice Borges sobre el laberinto; y es que según él, el laberinto definitivo no es aquel en el cual uno se pierde, sino aquel del cual uno jamás volverá a salir.

María Inés Plaza Lazo 
Munich-Cuenca-Guayaquil, invierno 2009/10 

Marxz Rosado en Espacio Vacío - Guayaquil

17/dic/2009

Sinfonía de cruceros (2006) - Marxz Rosado from Río Revuelto on Vimeo.
 
La fábula del pescador, la ballena y el crucero
Por Galo Alfredo Torres

1.-Un mundo escurridizo

Para nadie que frecuente los circuitos de arte contemporáneo le son desconocidas las dificultades que acarrea la noción de video-arte, denominación que para muchos no funciona adecuadamente, y si la seguimos utilizando es porque cuando se han buscado alternativas como video de creación o video experimental las cosas no han mejorado. Y es que la raíz del problema está en el objeto que designa: la producción audiovisual susceptible de ser abarcada bajo estos términos es tan heterogénea y escurridiza, que cada vez que se intenta una ordenación o clasificación el fracaso parece anunciado. Creo que el video Sinfonía de cruceros,  del artista puertorriqueño Marxz Rosado, nos enfrenta a las dificultades ya señaladas: ¿es una obra de video-arte o es un cortometraje documental? ¿Está poniendo en imágenes un concepto o nos está contando una historia? ¿Nos está planteando un reflexión sobre alguna realidad, que es el encargo encomendado al arte contemporáneo o está apelando a nuestros sentidos y emociones, que es lo que cierto cine experimental se propone? El mismo Rosado, cuando, casi desprevenidamente, le disparé la pregunta sobre si se consideraba un artista o un cineasta, titubeó, aunque reaccionó y reconoció su inclinación cinematográfica. Por supuesto, no debemos olvidar que la misma noción de cine y aquello que designa, vistas de cerca y a la luz de la producción actual, es otro campo pantanoso, escurridizo, sobre todo cuando se pronuncia esa otra abstracción absoluta que es la noción de cine experimental.

2.-Lo que vemos y escuchamos

Y en efecto, desde el título, este corto se anuncia ante todo cinematográfico, justamente porque su naturaleza sonora y visual  revela que el realizador estuvo atento a aquellos dos canales que lo cinematográfico ha hecho su campo de batalla plástica y el terreno de cultivo de aquello que de más esencial tiene el cine: su lenguaje. Dos canales que en general los artistas, más apegados a la acción artística y al performance descuidan o no los optimizan, puesto que sus obras y proyectos se fundamentan en lo que pasa en sus acciones y no en lo que le pasa a sus imágenes. Es decir, que en general para los artistas que usan como soporte o medio el audiovisual, la cámara y el lenguaje del cine son elementos pasivos, solo cumplen el papel de vehículo de la obra y los reducen al pingüe rol de registro; a tal punto es así que hemos visto obras en video que son meras documentaciones de obras, que muy bien funcionan sin el plus que le podrían aportar la cámara, el encuadre, el color, el sonido, la planificación o el montaje; componentes que, al contrario, son aprovechados y refinados en Sinfonía de cruceros.

3.-Lo que se cuenta

¿Porqué entonces mostrar un cortometraje en una galería y no en una sala de cine? Bueno, ya he dicho que el campo cinematográfico, en la contemporaneidad, es también muy problemático: justamente por la heterodoxia y proliferación de temas y formas. Sinfonía de cruceros cuenta una historia es verdad, pero no es lo que ortodoxamente llamamos “una historia”, ciertamente que hay personajes y acciones dramáticas, pero inscritas en una inusual rarefacción; y además no hay una “puesta en intriga”, lo que lo distancia de lo que habitualmente llamamos cine narrativo, aquel que obedece las reglas dramáticas y profesa un respeto irrenunciable a los códigos de identificación y conducción del espectador. Creo que el corto que nos aprestamos a ver está más del lado de la expresión y la labor creativa de su realizador, y por ello tiende a perturbar la mirada del espectador medio.
 
La historia de la desobediencia, de los alejamientos o formas alternativas de contar una historia es larga, y se inscriben en eso que yo llamo “incorrección creativa”, y han surgido a su vez del tortuoso proceso de planearse dos preguntas: qué es una historia y qué es contar una historia. El cine y el video experimentales, que usan como soporte de registro el fílmico o el digital, han sido protagonistas de la incorrección creativa más radical, en el sentido de que han buscado y encontrado “hechos” que contar, situaciones y personajes, además de maneras de contar muy particulares, que tensan en grado extremo la noción del narrar, de contar una historia. En este cortometraje por ejemplo nunca vemos una ballena: pero la escuchamos, y muy vívidamente.

4.-La fábula del pescador, la ballena y el crucero

Sinfonía de cruceros, con material filmado directamente y por la doble vía del canal visual y auditivo nos cuenta y nos revive la experiencia de arribos y llegadas, nos muestra la febril actividad de un muelle, al que llegan y del que parten enormes cruceros, a los que los dueños del mar casero escoltan, acogen o despiden. Nada especial, pura cotidianidad con la que cualquier persona, incluido el artista, conviven a diario. Pero justamente allí ocurre el gesto estético: cuando ese fenómeno microscópico es convertido en metáfora por alguien que mira se vuelve macroscópico; ese momento cualquiera metamorfoseado en imagen y sonido se torna excepcional, o como dice Paul Auster de uno de los personajes de su novela Leviatán, que también es un artista: que era capaz de convertir lo más mínimo en algo preñado de significados, de cargar a la más anodina rutina de la más excepcional emoción.

Creo que el trabajo sonoro —que no puedo privarme decir que podría hasta funcionar solo y contagiarnos con la sola expansión de sus bajos marinos— y la labor plástica sobre las imágenes revelan a un cineasta meticuloso y que está buscando.

Marxz Rosado es el primer cortometrajista al que escucho decir que no le interesa el largometraje, es decir, todo lo contrario de un cineasta cuya meta siempre es el largo. Y lo dicho por Rosado me alegra, y es aleccionador, porque su actitud revaloriza al corto, y lo conecta con alguien que yo aprecio mucho: Abbas Kiarostami, que nunca ha dudado en llevar toda su experiencia narrativa adquirida en el formato convencional de los 90 minutos a esa experiencia cercana al haiku, que es la verdadera grandeza y esencia del cortometraje. Veamos y escuchemos entonces la vida de este muelle; esta fábula de del pescador, la ballena y el crucero que Marxz ha compuesto para nosotros.

sábado, diciembre 12, 2009

Oswaldo Terreros - Movimiento GRSB





Descargar PDF con documentación del Movimiento GRSB


Entrevista de Rodolfo Kronfle a Oswaldo Terreros a propósito de su Movimiento GRSB: Gráfica Revolucionaria para Simpatizantes Burgueses


RK:¿Cuéntame quién es Morboman?
OT: Morboman es un personaje creado en el 2004 que tiene en su chip –en su psiquis- todas estas prácticas de discursos demagógicos que son propios de la América Latina, con un análisis del discurso, del trabajo estratégico de campañas marketeras, de la política electoral: prácticas publicitarias, todas estas estrategias de tratar de acaparar las masas, de cómo se construyen estos discursos en cuanto a comunicación, en cuanto al manejo del lenguaje, como quien dice el marketing político en sí.

RK:¿Básicamente este es el tipo de deconstrucción que estás haciendo a través de la estética de mitin de la cual te estás apropiando y en los afiches que estás manejando? Cuéntame de este sitio…
OT: Si. ¿Por qué lo hice aquí? Bueno, una práctica bastante común, sobre todo muy acelerada en los últimos años dada la crisis de la partidocracia -este desmembramiento de los líderes políticos con sus líderes creando nuevos movimientos- ha provocado un auge del uso de solares en los cuales se han desarrollado mítines políticos, sobre todo en estas últimas campañas. Entonces aparecen estos nuevos movimientos con propuestas de mejora de vida, propuestas para cambiar la realidad de un entorno: en este lugar donde yo estoy situado ahora se han hecho mítines para el PRIAN por ejemplo; como te posicionan las sedes para trabajar con una comunidad y analizar su problemática  y obviamente como se construye esto para tratar de que el movimiento llegue al poder.

RK: Tu práctica obviamente está en el linde entre el diseño gráfico y el arte como tal, algo que te interesa obviamente explorar desde tu trabajo principal que sería el diseño gráfico.
OT: Trabajo mucho con el afiche político y me interesa mucho esta tradición, y bueno los conocimientos de la historia del arte me han permitido así mismo deconstruir también esas prácticas modernas maravillosas, pero también como se han venido reciclando mucho más y todavía siguen siendo bastante poderosas. Es inevitable que tengo enraizada la parte moderna (la cromática, el constructivismo, la parte del diseño) pero que cuestione las prácticas del diseño y las cuestiones sociopolíticas es muy importante.

RK: ¿Te interesa particularmente contrastar lo que estás haciendo con el ambiente político general en el mundo –en términos históricos-, o con el horizonte de lucha “ideológica” al cual nos estamos enfrentando hoy en día?
OT: Va por las dos vías.  La lucha ideológica en cuanto al hecho de que estamos reciclando luchas: cuestionando la lucha entre lo alterno y lo hegemónico, la lucha del centro-periferia…es bastante una crítica a esto y también a las prácticas globales, por ejemplo el boom del street art, aparentemente una manifestación libre que ha terminado siendo una categoría para hacer mas interesante un tipo de producción de arte y se ha convertido en una mercancía muy interesante.
RK: Última pregunta: ¿vas a repartir chatitas de Cristal?

OT: Sería bueno pero no da el capital, pero si la gente quiere…
RK: Entonces este es un mitin a media llave…

OT: Si [Risas]

SIMULACRO 
Por Oswaldo Terreros

Desde que nacimos venimos insertados con una especie de chip cuya información condensada son las relaciones binarias, bien-mal, dominador-dominado, hegemonía-resistencia.

Prácticamente ese ha sido el motor de nuestra producción de significados en todos los ámbitos desde donde se los emiten como lo son: arte, danza, música, cine, diseño, movimientos políticos. En donde la producción se basa en la creación desde esa postura de marginalidad y de sentimiento de polaridad y la lucha se reduce a un reconocimiento -  una legitimación para así producir nuevas luchas que cuestionen esa acción legitimada… una acción cíclica.
El hecho de asistir a un evento, expectar; uno como actante tratar emancipar un espectador, éste asiste con el impulso guiado por sus inquietudes e intenciones. Podríamos decir que el espectador espera ser sorprendido de la manera que él espera, entre una fusión de expectativa y medición, se sabe lo que ocurrirá pero se mantiene presente el suspenso para que ese acto del evento nos sorprenda.
El hecho de crear un movimiento político pretendiendo trabajar con todas las estrategias comunicacionales poniéndome el disfraz de un comunicador perverso estructurando mensajes incitadores para que asista una determinada audiencia en la que el espectador acude con una intriga, lo espera, espera ser emancipado, ahí podemos ver de forma primitiva  la aspiracionalidad develada por el interés por parte del espectador el hecho de sentir una especie de fervor ante su ausencia de algo y ese algo el movimiento te lo dará.
Utilizando un sentido cromático y tipográfico, coqueteando estéticamente con el constructivismo ruso, el pop art y la gráfica popular y la utilización de mensajes inquietantes para hacer que en el espectador se active el sentido de la ansiedad con cierto grado de intensidad… fervor.
Detrás de estas aspiraciones existe un desencadenamiento de estímulos para llegar a ese pensamiento, de aquello que viene sistematizado, aquello que implica un engrosamiento del significante, aquello que está difuso y nos permite leer muy poco para llegar a una interpretación del cómo se ha estructurado un tipo de mensaje.
Es muy complejo determinar que impulsos son los que lo llevan a… sin embargo aparecemos más humanos reproduciendo estos mitos y reproduciendo más hegemonías capaces de llegar a reafirmar esas relaciones binarias y luego hacer que lo alterno sea lo oficial, el arte de la rebelión como parte de una categoría que ha sido capaz de seguir siendo parte del mito de la trascendencia.
El círculo vicioso de la lucha.

lunes, diciembre 07, 2009

Manos Arriba - Espacio Vacío

Manos Arriba. 15 nuevos ilustradores de Guayaquil.


Participan: Autómata, Franklin Chambers, Cabeza de Oso, Ericka Coello, Marcelo Abril, Mr. Mas Brain, Daniel Vinueza, El Hongo Atómico, Cállate y Grita, Ricky Cohete, Gusho, Carla Recalde, Colectivo La Vanguardia, Lost Molotov, Maureen Gubia y Osvaldo Chambers
Chitchat con Jaime Nuñez en torno a Manos Arriba:

miércoles, noviembre 11, 2009

Plantón del ITAE

Este post se fue actualizando diariamente desde el 11 de noviembre, fecha en que se inició el plantón; recomiendo sea revisado desde el final hasta el comienzo para una sucesión lógica de la documentación presentada.





Carta abierta de los estudiantes del ITAE a la ciudadanía
13 de Diciembre del 2009

Escribimos en nombre de los más de cien estudiantes actualmente matriculados en
las Carreras de Artes Visuales, Teatro y Producción de Sonido y Música del ITAE
(Instituto Superior de Artes del Ecuador), quienes, como es de dominio público,
nos movilizamos hace más de un mes a las afueras del Banco Central sucursal
Guayaquil. Esta medida de hecho que nos vimos orillados a tomar, se da ante la
irresponsabilidad del Banco, promotor principal y creador de nuestro Instituto,
que ha amenazado sistémicamente con matar al mismo; desplegando desde sus
funcionarios la ineficacia de propiciar una solución a la crisis económica y al
limbo jurídico que padecemos como institución desde hace mas de 5 años.

El Presidente de la República, Ec. Rafael Correa Delgado, visitó hace más de
tres semanas nuestro desplazamiento a los exteriores del Banco Central en
Guayaquil. En esa visita, tras las consultas pertinentes con los máximos
responsables del Ministro de Cultura y del BCE, El Señor Presidente ratificó
públicamente el camino a seguir para resolver tales calamidades: El BCE nos
daría el presupuesto del 2009 a través de un proyecto cultural y el próximo año
lo recibiríamos directamente del Ministerio de Cultura una vez que formáramos
parte del Sistema Nacional de Cultura.

Aunque el ex Gerente Carlos Vallejo se comprometió, que pasadas las 24 horas de
presentar dicho proyecto los recursos estarían listos, esto nunca se cumplió.
Ya han pasado 23 días y nuestra situación ahora es más precaria que entonces,
situación agravada aún más con la reciente salida de los máximos funcionarios
del Banco.

Ante el panorama descrito consideramos que la única medida confiable es acudir
directamente al Ec. Rafael Correa Delgado, como máxima instancia de la
representatividad democrática, para la agilización inmediata de este compromiso
con nuestra institución. La situación es emergente: Los profesores de nuestra
Institución llevan cinco meses sin cobrar, y pensamos que es justo que este
escenario se resuelva con imperativa urgencia, pues es nuestra legítima
aspiración superar esta incertidumbre antes de la Navidad.

Convocando la certera e inmediata intervención de los funcionarios pertinentes,
y pidiendo el seguimiento de la ciudadanía en general a la resolución de un
problema prolongado innecesariamente, nos suscribimos.


Los Estudiantes del ITAE







Imágenes del último día del plantón - viernes 20/11/09

Podcast de La Selecta: conversación de X. Andrade con Lupe Álvarez, Rodolfo Kronfle, Graciela Guerrero e Illich Castillo

Entrevista del ochoymedio a X. Andrade   La cultura: una revolución pendiente - publicada en Revista Anaconda



Llegada de los participantes del plantón a las instalaciones del ITAE el viernes 20/11/09

Levantamiento del plantón la tarde del viernes 20/11/09
Mañana viernes 20 de noviembre el ITAE regresa a casa!!!
Desde las 17H00 estaremos en los exteriores del Banco Central del Ecuador (9 de Octubre y Pichincha), a las 18H00 comenzaremos el regreso junto al Grupo Arawa a la sede del Centro Cívico "Eloy Alfaro".
Luego: Reunión Festiva!

Xavier Patiño -Rector del ITAE- anuncia el levantamiento del plantón la noche del jueves 19/11/09

Slideshow del 19 de noviembre de 2009

viernes, noviembre 06, 2009

Jorge Jaén - Guayaerótica en la Bienal de Cuenca

¿Puedo yo ser lumpen?
"Mira esa vaina: ¡se salieron de los cuadros!"
A CONTINUACIÓN "ENTREVISTA IMPROMPTU" AL ARTISTA (3 AM DEL 25 DE OCTUBRE 2009):


Rodolfo Kronfle: De alguna manera tú puedes extraer lo lumpen me decías…

Jorge Jaén: Bueno, lo lumpen está en el bajo mundo o en las altas esferas y la propuesta es unirlos, que es el mismo concepto: de lo lumpenari, lo vago, rechazado, todo, toda la negación se encuentra aquí: el ancheteador, el vividor, se encuentra verdaderamente el tabú escondido dentro del cuerpo de cada persona... pero ahora disfrutan el universo de lo prohibido.

RK: ¿Una vez que tu obra [la cantina donde nos encontramos] ha corrido su primer ciclo y ya tiene algunos días de vida crees que cumplió su objetivo?

JJ: ¡No! ¡Está viviente! Yo creo que es una obra interminable, es como estar en el infierno y en el cielo... todos los personajes salieron a bailar hoy, están ahí, se salieron de los cuadros, y ese era mi objetivo: tocar y llamar a la gente lumpen, creativa e intelectuales, críticos, que lo saboreen y lo disfruten para que se les salga eso: el monstrito escondido que todo el mundo lo tiene.

RK: Yo te quiero hacer una pregunta: ¿Puedo yo ser lumpen?

JJ: Si… en este momento. En este momento porque participas de algo muy interesante, de un concepto: estás en un subterráneo, puedes fumar marihuana y estás viendo vacilar al lumpenari de Cuenca, Quito, Ambato y un poco de ciudades de otros países, es recoger lo lumpenari latinoamericano.

RK: Una última interrogante: ¿Cuántos Ñetas hay aquí?

JJ: Hay siete Ñetas, dos Latin King y cinco de la Boca del Pozo…

[Risas] Amén.

FOTOS TOMADAS POR RICARDO BOHORQUEZ:















viernes, octubre 30, 2009

Manuela Ribadeneira - Cortes y Recortes - Galería Vértice - Lima


fotos cortesia Rosario Wentzel Galeria Vertice Lima



















Change is around the corner - Galería dpm - Miami





cuestionario larga distancia: practicar morir, ensayar, repetir....



Rodolfo Kronfle: Tus trabajos recientes tienen un marcado anclaje en imaginarios históricos que te interesan (los procesos coloniales, la Revolución Francesa, etc.); los evocas con lo que llamaría una práctica acupunturista: activado selectivamente ciertos repertorios simbólicos del pasado para hacer fluir energías interpretativas vinculadas al presente. La investigación histórica se va asentando como una herramienta metodológica clave en tu trabajo, pero me llama la atención que en tus pesquisas siempre procuras partir de algún dato curioso o poco conocido, alguna anécdota cuyo poder generador de sentido sea sin embargo intenso. Esto debe producir por un lado ansiedad por encontrar aspectos no trillados de la narrativa histórica, pero por otro la recompensa del descubrimiento cuando este se da, cuéntame un poco sobre tu proceso en los años recientes.

Manuela Ribadeneria: Los ingleses dicen que “el diablo está en los detalles”. Los franceses llaman a estos datos curiosos de la historia ‘la petite histoire’. Las pequeñas historias donde se resume y concentra la gran Historia , destilados de historia y para mí son ilustraciones de un gran texto que tienen un elemento simbólico y visual.

Estas anécdotas o datos curiosos tienen una cualidad que es importante, pues funcionan solos e independientes de el gran cuento que las sostiene y por ende funcionan fuera del espacio y del tiempo al que pertenecen. Tienen capacidad de viajar y de trasladarse en tiempo y en espacio.

No busco estos datos curiosos, me llegan, estoy atenta a la pesca y me llegan en una conversación, en una frase de un noticiero, en alguna lectura ya sea del periódico, de historia o de ficción, o navegando por el ciberespacio. Simplemente estoy atenta a estos datos porque me divierten, ilustran, y porque me gusta contarlos, volverlos a contar, como si fueran un dato de hoy de algo que sucede mientras hablamos. Me obsesiono con ellos, y me gusta contarlos porque activan algo y trazan líneas y conexiones. Aprehender la Historia, la gran historia, es difícil, aproximarse a ella a través de un detalle es manejable.

Javier Vásconez (escritor ecuatoriano) que me conoce bien, diría que es la mezcla de la mente de un niño con la del ingeniero civil (el juego mezclado con la estructura y el orden de las cosas), algo que él atribuye a las estrellas… Los nacidos bajo mis estrellas amamos las cosas pequeñas, los detalles, los juegos y juguetes, las anécdotas, pero siempre dentro de una estructura mayor, mas grande, y dentro de una necesidad de entender cómo las cosas se sostienen y funcionan. También quizás es un tema de género y las mujeres tendemos hacia los cuentos, las anécdotas y las pequeñas historias.

Además de ser buenos ejemplos para ilustrar un discurso o una idea me dan una cierta distancia que el hablar del presente, desde el presente, no me permite. Busco algo de perspectiva o de despersonalización que presupone además una posible proyección al futuro.

Efectivamente me interesa partir de la Historia para hablar del presente. No soy una historiadora, mas bien soy enciclopédicamente ignorante, triste y dañina característica que comparto con la mayoría de mis coterráneos. Tampoco tengo rigurosidad en el estudio de la historia. Leo, veo, oigo, pero sin orden, y de ahí voy tejiendo lo mío.

¿Cómo encuentro los temas de los que hablo? Me llegan, están ahí rondando, vibrando y susurrando, yo simplemente los agarro al vuelo. No es un proceso de angustia, al contrario, me produce mucha felicidad cuando encuentro estos detalles. Lo angustioso es re-contarlos, que es mi trabajo como artista: el que dejen de ser mera anécdota histórica y que se conviertan -como acertadamente dices- en agujas de acupuntura que muevan las energías, que provoquen y que activen o reactiven una posible conversación.

RK: Me parece fascinante, por ejemplo, la manera como un artista como Yinka Shonibare alude a la Revolución Francesa para tocar aspectos de diversidad cultural y las relaciones Africa-Europa en clave de crítica poscolonial. Encuentro interesante, por contraste, que proyectes el trágico final de la aristocracia sobre el presente latinoamericano (aquello lo infiero por los contextos de presentación de los trabajos, los cuales no dudo veremos eventualmente en Ecuador, el país en el cual naciste); sin querer hacer prosa de la densidad poética que imprimes en estas obras háblame de los intereses que subyacen en ellas.

MR: No creo que estoy para nada en la misma ruta de Shonibare, pues sus obras, aunque bellas -y bellamente realizadas con una fuerza visual tremenda- son obras de ver, mas no de pensar, y hablan de la Historia con H mayúscula. Son obras que hablan del pasado. A mí me interesa el presente, de cómo la historia y la pequeña historia habla del presente o de las ideas y situaciones que están en la mesa hoy. En Shonibare hay denuncia de un hecho que fue, y pone en relevancia la historia desde el punto de vista del que no la escribe, pero no es una invitación a pensar sobre hoy.
A mí no me interesa demasiado el hacer juicio sobre la historia me interesa lo que la historia tiene que decir sobre lo que sucede, y nos sucede y me sucede. Me gusta hablar desde la historia, partir de ella.

¿Porqué estoy ahora en la Revolución Francesa? Me parece que hay innumerables paralelos con lo que sucede ahora en el mundo. Con poca rigurosidad académica, me atrevo a decir que hay similitudes no solo en ciertas características que llevaron a la Revolución Francesa, sino también en las circunstancias que se dieron durante la Revolución. Hablo a escala mundial aunque por supuesto hay paralelos fuertes con ciertos procesos en Latinoamérica.

Son dos momentos de grandes convulsiones sociales, la crisis financiera y el colapso de un mundo conocido. Los excesos de una época y quizás la real o aparente caducidad de un sistema. La clara sensación de que algo llegó o está llegando a su fin, un cambio de las reglas del juego donde las reglas nuevas no están nada claras aún. Vivimos en una época donde se oye por todos lados: cambio y revolución, seguramente las dos palabras mas usadas en los últimos tiempos.

Hay situaciones hoy donde el exceso y el abuso del poder me recuerdan a excesos que existieron en el siglo 18 en Francia, y hay excesos y abusos de poder que sucedieron durante la Revolución especialmente en la época del Terror que me recuerdan a los excesos y abusos de poder que existen hoy.

Así como parecía evidente que la revolución francesa era inevitable y necesaria pienso que hay que revisar el cómo y las consecuencias. La Revolución Francesa sin duda trajo cambios importantísimos pero fue una época de persecución política, de arbitrariedad e ilegalidad en el uso y abuso del poder, fue una época de concentración de poder y fue una época que favoreció la política del chivo expiatorio. Robespierre argumentaba que no hay cambio posible sin terror , destrucción y sin muerte. Los ingleses pensaban (y sospecho siguen pensando) que los cambios necesarios se los podía hacer -y los hicieron- sin tan excesiva arbitrariedad, violencia y destrucción.

La época del Terror en la revolución Francesa era un momento donde la política era un espectáculo público, donde en nombre de la Revolución las Tejedoras se sentaban horas a mirar los juicios y las muertes, donde la denuncia del vecino era práctica común, y donde la paranoia y la sospecha eran fuertes aliadas de los nuevos gobernantes. Era un momento en donde uno estaba con la Revolución o estaba en contra, el término medio no existía ni era aceptado y el que no estaba clara y abiertamente con la Revolución pasaba a la guillotina.

La noción de re -fundación también rondaba en la Francia del siglo 18, pues por ejemplo, la Revolución cambio el nombre de todas las cosas.

No me interesa hacer un juicio sobre la Revolución Francesa, los métodos usados ni sus resultados. Pues esa no es mi intención ni tampoco creo que tengo los conocimientos para hacerlo, simplemente observo y trazo paralelos.

Anécdota: En 1957 un periodista francés le pregunto a Tsou En Lai, primer ministro chino en la época que qué pensaba sobre las consecuencias o resultados de la Revolución Francesa y su respuesta fue: “es demasiado pronto para saber” (en Zizek, Robespierre, Virtue and Terror)

¿Me preguntas sobre el presente latinoamericano? Creo que todo parecido es pura coincidencia…

Por supuesto que pienso en los procesos que se dan hoy en Latinoamérica pero no me quisiera quedar en ellos ni que se asuma que sólo de ellos hablo. Prefiero dejar que cada quien se sienta aludido como le parezca. Cada cual que decida si se siente: aristócrata de una aristocracia caída y sin cabeza, un preso político sin juicio justo a quien le van a cortar la cabeza, un chivo expiatorio, una tejedora que mira sin mirar lo que sucede y se deja llevar por el espectáculo, o es un “Sans Cullotes” revolucionario enardecido, o es el implacable, vanidoso e inteligente Robespierre cuya vanidad y exceso a su manera le llevaron también a la guillotina, o quizás Napoleón. Que cada cual se identifique con el personaje de su preferencia.

Como hemos conversado el Ecuador es o ha sido de alguna manera mi Cabo Cañaveral, la base de donde parto. Como en los cohetes, lo que es importante es a donde van o quieren ir, y no desde donde salen.

Estas obras las estoy haciendo en Europa y desde Europa, y una de las cosas interesantes es ver que les sucede a estas obras en un contexto latinoamericano, pero el contexto latinoamericano es variado. Sospecho que muy diferente será leerlas en Lima, Bogotá, Caracas o Quito. Pero repito, lo que me interesa es trazar paralelos, puentes y conexiones entre las cosas y clavar esas agujas delgadísimas y supuestamente indoloras de la acupuntura artística.

La anécdota curiosa como tú la llamas con la que trabajo es la siguiente: en la Revolución Francesa en la época del Terror era tanta gente que iba a prisión que las cárceles no tenían cabida y les metían a todas hombres mujeres niños en un mismo espacio en las prisiones, no en celdas. Se cuenta que algunos de estos condenados a muerte practicaban su muerte antes de ser llamados al cadalso donde literalmente perdían la cabeza. Lo hacían para pasar el tiempo, porque era una época donde la idea de la "puesta en escena" era importantísima, porque buscaban morir con dignidad, sin demostrar miedo, y porque quizás el repasar y ensayar la muerte ayudaba a calmar los nervios. Practicaban como iban a caminar, como iban a saludar al público, que palabras iban a decir al público, al verdugo. Se cortaban el pelo "a la Guillotine" para que el pelo no moleste a la navaja, practicaban el gesto de poner la cabeza en la posición correcta y luego se amarraban una cinta roja en el cuello para simular el corte y acostumbrarse a verse con el corte en el cuello.

Me interesa no solamente lo que describía antes pero también un paralelo con la actividad artística, practicar morir, ensayar, repetir. Todo acto artístico, se podría decir, es un ensayar una muerte.

RK :Para esta muestra en Lima tendrás obras relacionadas a Concordia (2006) y Tiwintza (2005), cada una remitiendo a tensiones que Perú sostuvo -sostiene o sostendrá- con Chile y Ecuador respectivamente . Tal vez cuando las pensaste esto no estuvo en el itinerario de los trabajos pero ciertamente provee un escenario cargado para su despliegue; pensando en lo fortuito de esto ¿qué opinas de esta oportunidad? Más allá de generar distintas miradas sobre estos casos los trabajos siempre me parecieron que rozaban aspectos más complejos, como los usos políticos e identitarios de los conflictos ¿De qué maneras crees que estas obras se han densificado en función a los profundos cambios que se han dado en el contexto regional del cual surgen?

MR: Me hubiese encantado mostrar las dos piezas juntas en Lima pero eso no se podrá dar, pues Tiwintza pertenece a una colección en los Estados Unidos y en este momento no es posible su traslado. Como alguna vez hablamos, de pronto algún día en un futuro te animas y armamos una muestra de los conflictos territoriales, serie que comenzó con Tiwintza, luego Concordia, luego dos piezas en Costa Rica una de las cuales Being born in a stable does not make you a horse, o de la patria por nuestra voluntad también estará en la galería Vértice en Lima. A ver como se las lee en Lima, tengo ganas de ver que les sucede en ese contexto.

Sospecho el conflicto entre el Perú y el Ecuador siempre fue mas presente y mas importante en el imaginario ecuatoriano. Pues éramos nosotros los que reaclamábamos un territorio. El Ecuador peleaba dos guerras en ese conflicto una con el Perú y la otra quizás mas importante con la opinión interna sobre el tema, que la gente acepte que se cierre definitivamente la frontera y se acabe el conflicto. Para los ecuatorianos fue un enorme cambio, nuestros mapas efectivamente cambiaron, nuestra definición de identidad de ‘herida abierta’ se acabo también. Es difícil cuando lo enemigos se acaban porque nos tenemos que definir frente a algo mas. Sospecho que para los peruanos el cambio fue mas bien un cambio menor. El conflicto con Chile por ese triángulo de mar sigue vigente, tengo curiosidad de ver como lee la gente esta pieza.

Y aunque ciertos conflictos de territorios aun siguen vigentes en la región, mas importantes son ahora otros territorios, por ejemplo los territorios ideológicos, las alianzas regionales son ahora muy importantes. Los temas de frontera han cambiado y las soberanías nacionales tienen matiz político, ya no de definición de trazo de territorio físico.

Para mí el tema del conflicto mismo, así como los temas históricos, son puntos de partida para otras reflexiones. No me es tan interesante hablar sobre los conflictos en sí, y menos aún tratar dilucidar sobre quien tiene la razón en tal o cual conflicto. Para mí es interesante ver la movilidad de los territorios, el juego de poder que está en ellos. Me interesa hablar sobre territorios y sobre lo que los define y donde están esas líneas divisorias tan difíciles de trazar, tan movibles. Surgen temas de identidad, de actos de posesión y de definiciones de lo que somos y lo que no somos …entre líneas

RK: Es difícil aproximarnos a trabajos como el tuyo, en estos tiempos de realineamientos, radicalizaciones y polarizaciones, sin que los situemos ante el horizonte de contraste de la ideología, y siguiendo tu poética de los territorios: de territorios ideológicos ¿En qué medida tu aproximación hacia la obra desea lidiar con aquello? Aparenta interesarte la manipulación, paradojas y doble moral que existe también en este campo…

Dato curioso y que calza perfectamente con todo esto: la definición de derecha e izquierda para referirse a la filiación política surge en la Revolución Francesa y hacía referencia a dónde se sentaban los diferentes cuerpos legislativos en la asamblea. La aristocracia y el antiguo régimen se sentaban a la derecha del presidente de la asamblea, mientras que el tercer estado o los opositores al antiguo régimen se sentaban a la izquierda del presidente. Se siguen usando estos términos para definir o visualizar el espectro político aunque parecería ser que en esta categorización es difícil ubicar al fascismo, al populismo o a los movimientos ecológicos, por ejemplo.

Por supuesto que me interesan los territorios ideológicos o mas bien dicho es difícil o imposible obviarlos. Pues hay una cierta casi obligación para posicionarse en algún lado del espectro político a pesar de que sospecho hay gran confusión con todos estos términos y se los usa con gran ligereza. El discurso político se ha convertido en un discurso de territorios y de posesiones. En esta muestra creo que ninguna obra hace referencia directa a los territorios ideológicos pero esta implícito en muchas de ellas.

Trabajo en una pieza que se llama (por ahora) De cómo sopla el viento son siete veletas con plumas que muy sensiblemente se mueven con la menor brisa. Estuve tentada de a cada una de ellas llamarla derecha, centro derecha, centro izquierda, etc., pero me parecio demasiado obvio y burdo. Sin embargo la idea esta ahí.