lunes, febrero 24, 2014

Leonidas Corozo: Prephotography / NoMíNIMO, Guayaquil


Registro de vistas generales: Ricardo Bohórquez







After Muybridge B1 
2013
Fotocollage
110 x 117 cm
Inyección a tinta sobre papel  Fine art Satinado

Monochrome Condenso 01 
2013
Digitograma
110 x 110 cm
Inyección a tinta sobre papel Fine art Barita 
             
Monochrome Condenso 02 
2013
Digitograma
110 x 110 cm
Inyección a tinta sobre papel Fine art Barita 

Monochrome Condenso 03
2013
Digitograma
110 x 110 cm
Inyección a tinta sobre papel Fine art Barita 

Expedición 01
2012
Fotografía digital
50 x 50 cm
Inyección a tinta sobre papel Fine art Rag

Expedición 02
2012
Fotografía digital
50 x 50 cm
Inyección a tinta sobre papel Fine art Rag

Expedición 03
2012
Fotografía digital
50 x 50 cm
Inyección a tinta sobre papel Fine art Rag
        
Picture, Image 
2013
Fotografía digital
80 x 110 cm
Inyección a tinta sobre papel Fine art Barita 

Obras: Cortesía de Leonidas Corozo

01AB
2014
Fotocollage
68 x 125 cm
Inyección a tinta sobre papel Fine art Rag

1965
Fotocollage
2013
50 x 59 cm
Inyección a tinta sobre papel Fine art Barita 

After Muybridge A1 
2013
Fotocollage
60 x 120 cm
Inyección a tinta sobre papel Fine art Barita 

Landscape Bucle    
2013
Fotopolípticos
150 x 190 cm
Inyección a tinta sobre papel Fine art Barita

Dialogos 03
2013
Fotocollage
50 x 50 cm
Inyección a tinta sobre papel Fine art Barita 

Die welt ist Shon A2 
Fotocollage
2013
50 x 59 cm
Inyección a tinta sobre papel Fine art Barita

Die welt ist Shon, Segun Dubois 
2013
Fotocollage
50 x 61 cm
Inyección a tinta sobre papel Fine art Barita

Droins 01
2013
Fotografía digital
110 x 190 cm
Inyección a tinta sobre papel Fine art Barita 


Puntum 
2013
Digitograma
110 x 120 cm
Inyección a tinta sobre papel Fine art Barita



De lo pre a lo post… entrevista a Leonidas Corozo sobre su reciente muestra.

RODOLFO KRONFLE: Hola Leónidas, el título de tu exposición "De lo prefotográfico" ya va sembrando ideas sobre la muestra en el sentido de que esto no sería fotografía convencional. Cuéntame un poco sobre aquello y sobre la intención de que esto sea un ciclo de tres exposiciones.

LEONIDAS COROZO: Como tú lo dices “De lo fotográfico” se compone de una triada que pretende por decirlo así hacer un sobrevuelo por el campo fotográfico: El capítulo “pre-fotográfico” visita mecanismos de circulación, de producción y montaje, entre otros. Me gusta pensar que es un momento oportuno para que en la ciudad se presente un abordaje que posibilite interacciones múltiples desde la fotografía. El abanico de la fotografía es muy amplio, la disciplina fotográfica se ha ensanchado en todas las direcciones y en nuestro contexto es casi imperceptible desde los consumidores y productores artísticos. Hoy en día nacen preguntas como: ¿Qué es la fotografía? ¿Dónde está la fotografía? ...bueno espero sumarme a estas interrogantes.

RK: Para estos propósitos la muestra se apropia (aunque más que apropiación me parecen citas) de un nutrido número de fotografías que pertenecen a distintos registros...unos serán más reconocibles que otros pero como lo conversamos informalmente estas imágenes se hilvanan a partir de tu planteamiento, cuéntame un poco de esto, y mejor si lo haces a partir de piezas puntuales que presentaste.

LC: En la pieza “After Muybridge B1” mis intereses fueron dirigidos a que la imagen tiene un recorrido muy importante en la fotografía, ubicada en el área de la investigación de la comprobación y el análisis del estudio del cuerpo. Me interesaba como Muybridge generó un acercamiento tipológico directo, sencillo, pensando sencillo igual a cero artilugios a la vista, sobre el estudio del movimiento del cuerpo; entonces dije a ver como vuelvo a traerla a circulación una imagen que no necesita nada para ser mejor, y fue esa razón por lo que decidí generar un dialogo con una de las partes esenciales de la fotografía digital como lo es la composición del color en términos de la intensidad de los colores primarios de la luz.

En cambio la pieza “01AB” está compuesta por capturas de pantalla de fotogramas de películas y de fotografías que a mi parecer produce una poética que se pretendía en el ensayo fotográfico. Encontramos en esta la mirada hacia el vacío del fotograma de la película Barton Fink, la trasmutación de la imagen la bandera de los Estados Unidos ondeando en la luna, los primera tipologías logradas por Alphonse Bertillon, me encanta el fotograma de la película Masculino–Femenino de Jean-Luc Godard donde el personaje tiene los ojos cerrados; 2 imágenes en una sola fotografía (el fotograma de la pelicula y la que el actor tiene en su pensamiento), y por ultimo un fotograma de película en honor al poeta Langston Hughes que produjo el artista Isacc Julián donde examina las políticas de sexualidad dentro del seno de masculinidad negra a través de la imagen.

RK: Ahora que mencionas lo de los colores cuéntame un poco sobre el recurso de los campos de color sólido que empleas para estructurar las composiciones en cada imagen (y que luego a su vez compones luego en la pared al juntar varias); esto le otorga un look bastante moderno al conjunto y se intuye una intencionalidad detrás de ello...el recurso como tal habíamos comentado además como remitía a trabajos tan variados como los de Baldessari hasta la serie "Atomistas" (1996) de Gabriel Orozco...

LC: La obra de Gabriel Orozco no la conocía. Pero es un buen ejemplo para contrastar, en mi obra no quería que la forma sea muy protagonista como la que hace uso el artista en la serie “Atomistas”. La idea de Baldessari sobre la ejecución narrativa de la obra hace algún tiempo la he tenido en mente, y creo que pueden dar cuenta las piezas de “Die welt ist Schön” aunque en la muestra la idea del color parten de ir haciendo injerencias sobre las modalidades fundamentales de la fotografía digital. El uso del color en gran parte de la muestra hace referencia al campo de color RGB (rojo, verde y azul) al campo del CMYK (Cian, magenta, amarillo y negro), unos basados en la intensidad de la luz y otros en la absorción de la misma. En “Monochrome condenso” se materializa en manera parcial una investigación sobre campos de luz, y en la muestra presento los colores primarios para que se sumen de manera curatorial a la muestra. Con “Monochrome condenso” doy un paso a investigar los algoritmos matemáticos que posibilitan la comprensión digital del color en formatos fotográficos como JPEG, TIFF entre otros.

RK: Se puede decir que todo el trabajo detrás de la muestra es digital, cuéntame del proceso detrás de imágenes como “Droins” y “Bucle Landscape”...

LC: Todo el trabajo es digital con excepción de un tríptico compuesto por fotogramas y revelado a las as sales de plata. Aclarando que es digital por que utilizo cámara digital, o porque se han digitalizado imágenes como las de Muybridge entre otras. La serie “Droins” es fotografía directa donde la investigación va dirigida a comprender los variantes de compresión en el software de la cámara fotográfica y cómo el color se ve afectado por las  variantes de luz. En esta pieza la idea de collage es nula. En el caso de “Landscape Bucle” interviene una toma fotográfica, con interacción de 4 programas de procesamiento fotográfico. Retomando un procesamiento de imagen que utilice en la serie “Bucle campo pictórico” (2011) donde trabajo a modo de capas la imagen para después compactarla y volver a repetir el proceso 3 veces consecutivas. A diferencia que en la serie “Bucle” la pongo en práctica al imprimir la imagen, después procedo a coger la fotografía y ponerla en la impresora para que la misma foto se vuelva a imprimir y la condensación de color adquiera cierto volumen  al reimprimirla. En cambio la serie “Landscape Bucle” trata de trabajar con layers digitales e ir desdibujando lo figurativo de la toma fotográfica inicial al ir buscando una comprensión sobre su algoritmo de color.

RK: Finalmente quisiera saber de qué formas se concatenará esta muestra con las otras dos que tienes planeadas a futuro.

LC: La concatenación llegara por un el hilo conductor que es la investigación sobre las bases intrínsecas de formas fotográficas por una parte, también dirigiré la investigación hacia formas electrofotográficas, prestando atención a la comprensión de la  luz y sus compuestos electromagnéticos visibles y no visibles a la vista, a la par avanzare en el entendimiento de los algorítmicos matemáticos para generar una conversación intrínseca sobre el medio fotográfico para llevarlo a otra instancia. 

Por otro lado trataré de forzar el medio a una forma de caracterización en la postfotografía dilatándola hacia andamiajes sobre fotografía pintura, fotografía vídeo, fotografía escultura, fotografía dibujo, fotografía 3D, fotografía texto entre otras.

RK: Te agradezco Leonidas por tu tiempo


LC: No faltaba mas, yo te agradezco por tu tiempo y por tu interés.

lunes, febrero 17, 2014

Wiri Wiri - Fanzine de crítica de arte

http://wiriwirifanzine.blogspot.com


fotos del muro de FB Christian Proaño.



foto: Judy Bustamante

A propósito del primer número del fanzine de crítica de arte Wiri Wiri tuvimos la oportunidad de conversar con Ana Fernández, artista visual y una de sus mentalizadores.


RODOLFO KRONFLE: Hola Ana, vamos desde lo más elemental, ¿cómo surge esta iniciativa de un fanzine de crítica de arte, a partir de qué impulsos, qué conversaciones y entre quienes?

ANA FERNÁNDEZ: Hola Rody: bueno en principio fue una conversación por Facebook entre Christian Proaño y yo. Nos movía la inquietud enorme de que siempre los comentarios y feedback sobre las muestras, los proyectos en que estábamos metidos y estaban pasando en la ciudad, se comentaban entre cuchicheos en los cafés y nunca eran abiertos. Empezamos a hablar sobre esto en una conversación abierta en el feis donde muchos otros comentaron, pero nosotros de repente dijimos: "bueno, hagámosle a la diferencia" vamos a hablar desde nuestra visión.

RK: Bueno eso curiosamente me recuerda el tono general que percibí en el fanzine, que es bien desenfadado, muy aterrizado, casi como una conversación de café...

AF: Bueno, así como hablamos desenfadadamente diciendo lo que pensamos sin muchos enredos, pero siempre pensando en un contexto político, social contemporáneo.



RK: A veces siento que más que crítica de arte en sí lo que da ganas es de dedicar un fanzine solo de crítica a las instituciones....¿cómo seleccionan de qué opinar por ejemplo? ¿cómo priorizan en ese universo de exposiciones y lugares?

AF: En principio nos propusimos cubrir las muestras que más nos interesan o son más polémicas (ej.: uno x mil) dentro de lo local. Ojo que no cubrimos lo que no hemos visto. Pero de hecho nos interesa sí ser crítica institucional, por ejemplo en este nuevo que se viene, hablaremos sobre la conferencia de Pablo León de la Barra y el "mito" de que no existe escena artística acá.
 
RK: En ese sentido ¿no crees tú que el formato fanzine resulta para este propósito limitado en comparación con lo que una plataforma tipo blog puede lograr? Me refiero a la posibilidad de que las ideas circulen más ampliamente y de que los escritos puedan ser retroalimentados por comentarios que inclusive puedan ampliar un debate, opinión o perspectiva determinada.

AF: Pues, el formato fanzine si tiene ciertas limitaciones, pero también es una forma muy simple y democrática de ser nuestros propios editores. También lo hemos subido al blog al fanzine. Y hay chance de opinar así. Estoy de acuerdo contigo que el blog pueda ser más accesible. Nosotros queremos que sea un fanzine por el hecho de que podemos jugar con él, recortar, poner junto, en un ejercicio editorial. La idea es que de al final de un año pueda convertirse en revista, podamos publicar afiches, tal vez en algún momento una edición especial con aportes de distintos artistas. Nos parece que ese formato tan street que es el fanzine nos va de perlas.

RK: En el sistema de relaciones que configuran el mundo de arte hoy la crítica no juega un rol tan influyente como antes, creo que muy pocas voces tienen un peso verdadero cuando hablamos del tipo de crítica que circula en medios masivos y no en publicaciones especializadas (que están destinados a otros públicos). ¿A quienes esperan llegar Ustedes? ¿Se han planteado esta pregunta? ¿Hay un propósito de educar? ¿cómo crees que se construye una voz crítica que conlleve autoridad en sus emisiones? Esta última pregunta la hago porque es muy difícil obtener el elemento principal que es la independencia de criterios, menos aún en un medio como el local donde la escena es relativamente pequeña y los lazos muy imbricados...

AF: Quiero responderte a cada una de esas preguntas una por una, porque me parecen muy importantes. Esperamos llegar al público al que le interesa el arte, sean artistas o aficionados, coleccionistas, estudiantes de arte…lo interesantísimo de esta experiencia ha sido que apenas empiezas a opinar y tener una voz crítica existe de inmediato un cierto respeto, un gran interés y una cierta distancia que no era lo que esperábamos pero me parece que es lo que se genera entre el que decide tomar la palabra y la audiencia.

Queremos sobre todo tener (y ese es nuestro emblema por así llamarlo) independencia de criterios, atrevernos a ser nosotros mismos, con errores y equívocos, a pesar del peso enorme que tienen las figuras críticas consolidadas.

RK: Hablando de figuras críticas consolidadas: ¿La idea de Wiri Wiri es que todos los que participen sean artistas? ¿Alguno ha producido textos más formales o de corte académico? En caso de ser así ¿qué ventajas o desventajas se pudieran señalar a esta elección?

AF: Los tres: Libertad Gills, Christian Proaño y yo somos artistas, los tres con maestrías, por tanto todos hemos producido textos académicos. Pero justamente queremos apelar a un lenguaje más accesible a los artistas mismos y de pronto establecer una forma más fresca de hablar sobre el Arte, ¿porque no? Cada mes tenemos un invitado especial y este mes es Juan Ramón Barbancho, critico español, para el próximo sera Mafo Lopez, doctora en visualidades por la UNAM. Ellos imagino que aportaran al dialogo desde un lugar más formalmente académico.
 
Gráfica de la presentación del fanzine en Arte Actual. De izquierda a derecha: Ana Fernández, Libertad Gills, Paulina León (de Arte Actual) y Christian Proaño.

RK: Supongo que el impulso de esta aventura surge en cierta medida de ejemplos que sigues de otras escenas, ¿a qué críticos de otros países lees cuyo trabajo aprecias?

AF: Me encantan claro las iniciativas que he visto por mucho tiempo emerger en la escena San Franciscana y Oaklandeña que han sido mis madres [risas]. He visto muchas iniciativas de artistas que considero son emulables por su frescura e inmediatez. El "zine" ha sido una de ellas. No creo que tenemos que esperar a que hablen, escriban, nos muestren, etc.; DIY es la respuesta (Do it yourself) o en español Hazlo Tú Mismo-HTM. Pero claro que admiro mucho a Aaron Rose, Raphael Rubinstein, Nato Thompson y la Claire Bishop. En el ámbito latinoamericano me gusta mucho una publicación de Arte hecha por artistas con textos de crítica elaborados por ellos mismos, ya te busco el link. Los antropófagos Oswald de Andrade y los poetas también han sido mi inspiración. Vemos el texto como espacio de exposición de ideas.

RK: Asumo que en el camino, a medida de que la publicación logre coger cuerpo, algunas personas se acerquen de manera voluntaria con intención de colaborar, y aquí viene la pregunta luego de escrutar esos nombres fantásticos que mencionas: ¿cualquiera puede hacer crítica? ¿cuáles serían los requisitos indispensables para hacer esto con responsabilidad?

AF: Si, ya algunos artistas como Tomás Ochoa se han acercado a pedir colaborar, o gente de la FLACSO. Nos interesa dar voz a quien no ha tenido oportunidad de ser escuchado (esencialmente por no atreverse a hablar o publicar). No creemos en las vacas sagradas sobre todo porque sabemos que siempre hay un sesgo y se van quedando cosas importantísimas en el tintero sobre las que las voces "autorizadas" no han querido hablar. Pero no, no creo que todo el mundo pueda o deba hacer crítica. Ni que a cualquier persona le interese. Implica un cierto riesgo. Aquellos que te nombré son capos y a mí me gusta mucho la claridad con la que escriben. No admiro el enredijo a la Homi Bhabha, imposible de entender para mucha gente. No que no lo admire a él (ojo). La [página web] Esfera Pública nos ha dado muy buenos ejemplos de crítica a nivel latinoamericano: Ospina, Cerón, Iregui. A nivel local me interesa el aporte de Cristobal Zapata. Es importante manejar ciertas herramientas del arte contemporáneo, la teoría, el poder emplazar una práctica dentro de un contexto, no es que lo puede hacer todo el mundo. Si no, vamos a tener un montón de Avelinas Lespers [risas].

RK: [risas]...hablemos del largo plazo, que es algo que me interesa y de hecho se me olvidó decirles que es felicitarlos por trabajar gratis.....pero como toda iniciativa que no es remunerada si no se hace con infinito amor (el de verdad) al poco tiempo suele desvanecerse, ¿tienes planeado eventualmente encontrar formas de financiamiento que permitan remunerar la tarea o confías en el compromiso sostenido?

AF: Creo que confiamos en el compromiso sostenido por este infinito amor al Arte y a los artistas de mi Patria! [risas]. Pero pienso que en algún momento quisiéramos ser revista, ¡y una bien puesta! vamos a necesitar financiamiento. Este seria el piloto digamos. Para probarnos a nosotros mismos, a la escena, al compromiso.

RK: Ya para terminar tu apreciación sincera del primer número luego de que concretaron sus planes: ¿qué tan feliz estás con el resultado?

AF: A ver, bien wiriwirimente, algunas cosas se nos quedaron fuera. Otras no resultaron como queríamos. Pero estamos contentos de haberlo publicado. Es un reto que vencimos. Queremos hacer el conversatorio con los artistas, que será en Marzo cuando lancemos el 2. Yo me quede feliz de haberlo hecho pero nos interesa también lo que piensen los artistas y el publico. Finalmente es una invitación a conversar.

RK: Muchas gracias Ana por tu tiempo.

AF: Gracias a ti Rody por tu interés.