martes, diciembre 25, 2012

De Los Letargos Felices / Casa Cino Fabiani, Guayaquil


Río Revuelto TV: De Los Letargos Felices : Conversación con la curadora María Inés Plaza

Parte I

Parte II



































“Uno cree alejarse y se vuelve a encontrar en la vertical de sí mismo”
(Michel Foucault)

DE LOS LETARGOS FELICES – DER GLÜCKLICHEN LANGEWEILEN


El pensar como experiencia universal y por lo tanto reconocible en cualquier parte del mundo es lo que colma las obras en „De los letargos felices – Der glücklichen Langeweilen“. Estas contienen ejercicios de confrontación con lo visual como transparencia recíproca entre el saber y el tiempo, y se encuentran vinculadas con lo que Michel Foucault llama „El pensamiento de afuera“. El „afuera“ dentro de esta muestra pretende ser visualizado como aquel espacio neutro, es decir, una heterotopía (siguiendo el vocabulario de Foucault) como instancia del conocimiento que ya no es el espacio tradicional y cerrado de la representación, sino un centro donde todo diálogo sea posible. Entre este pensar y este afuera se encuentra el letargo, origen y muerte de la curiosidad, el miedo y la angustia, motores de la búsqueda de idealidades. El título de la muestra avisa un plural a pesar de que el letargo en sí (y langeweile en alemán) es un sólo estado.


El letargo como una preocupación filosófica desde Kierkegaard, influye sin duda en la concepción de la existencia en la sociedad moderna alemana. Pero ya que „De los letargos felices“ muestra imágenes que son a su vez estados filosóficos donde el tiempo es el objeto en cuestión, encienden estas en su abstracción una diagnosis social de los diversos circuitos artísticos en Munich. Son las obras de artistas de esta ciudad, las que he podido seguir durante estos últimos cinco años y que reúno en la  Casa Cino Fabiani.

 

El lenguaje de las emociones aparece apagado, pero latente. En la transparencia poética de Replika de Ayzit Bostan y su compañero Gerhard Kellermann,instalación en las loggias del Hofgarten (Jardín del palacio real) de Munich, lo que activa sus cortinas son una brisa que recuerda a la epoca de lluvias en Guayaquil. Replika es una apropiación visual de las cortinas de la Plaza de San Marco en Venecia, que activa discursos alrededor de la relación arquitectónica y histórica entre los espacios públicos construidos en el siglo XIX en Munich del rey Ludwig segundo – inspirados en los ideales renacentistas italianos – y Venecia como puerto hacia la importación cultural desde Constantinopla. Bostan, nacida en Turquía, reactualiza los aspectos transculturales venecianos en la Alemania de hoy y la presencia de oriente medio en su cultura. Más allá de aquello, Bostan alude el potencial semiótico que las cortinas en sí encierran : Como velo, como elemento ornamental, como característica teatral.  Bostan desprende las soñolientas cortinas venecianas de su contexto original para otorgarle al Hofgarten de Munich el aspecto fantasmagórico de las pomposas fiestas de antaño, haciendo a su vez un comentario dulzón a un cierto amaneramiento de clase alta de Munich, pero también a la procrastinación nocturna y sus derivaciones.

 


Gabi Blum por su lado hace un escape a Estados Unidos para preparar un video llamado Lone Star, apropósito de un ideal americano y sexista alrededor de la mujer, pero también una manera de aburrimiento propio a nivel existencial; global, si lo vemos como una reflexión acerca del trabajo de artistas en medio del movimiento masivo de información de nuestro tiempo, que buscan, como allá los romanticos en el siglo XIX, una distancia, hoy cada vez más dificil. Su calendario « It's a matter of taste » se podría definir como una formalización del aburrimiento (Como el título de la obra de Jürgen Klauke en los ochenta) : Blum repite la misma pose en el mismo atuendo con una lata de cerveza « Bush » en la mano a lo largo de 12 Moteles en el desierto americano. Aquí es posible regresar a lo que Kierkegaard dice sobre el gusto : Es la posibilidad de escoger, lo que hace del gusto una opción ética.  A su vez la artista juega con la definición para el artista de “vender una obra” (Como Andrea Fraser), y ella, con tono burlesco, lo hace como si fuese cualquiera sin otras ambiciones que ganar un poco de dinero.
 

« How to start a revolution/Como empezar una revolución« es el proyecto que desde hace algunos años Anna McCarthy viene desarrollando. McCarthy – al igual que Bostan y Blum – son personajes que han visto mutar la escena « Underground » desde finales de los ochenta. McCarthy es a su vez eje de la banda Damenkapelle y hermana de uno de los músicos de Franz Ferdinand (la artista es autora del primer cover en el 2004) probado y visto desde cerca lo fácil que es tracionar fundamentos propios para evitar roces graves con el mainstream. En la obra de McCarthy el aburrimiento es sintomático y viral, es un problema personal y que ella ve reflejado en su entorno, en la historia y políticas europeas de la posguerra y guerra fría; las revueltas de estudiantes de 1968 y el « rock-n-roll » que en su momento significaron una luz de la crisis sociocultural, son hoy para Anna McCarthy nada más que una leyenda maquillada y obsoleta. Las polaroids de Keith Sirchio son retratos que descubren la dulzura irónica de McCarthy que acompaña sus obras.
 

Por su lado, Oh Seok Kwon mantiene un trabajo altamente poético, que gira alrededor de la construcción epistémica de la Observación, el Mirar. Oh Seok en su más reciente exposición mostró las ultimas colillas de cigarrillo que ha fumado, y cada una clasificada con una nota adjunta :« Johannes acaba de hacer un chiste » o « Un cabello sobre la mesa » o « Seoul ».(Aquí hay un guiño claro al conceptualista On Kawara, quien se dedicó sobretodo a documentar el paso del tiempo y la pura conciencia ante tal fenómeno). Oh Seok es sin embargo alguien que apela sobretodo al valor del tiempo en la historia individual, la propia percepción de la vida en sí, la manía de querer acumular cada fragmento de la biografía propia.

 

Otra manera de “capturar” es la de Martin Hast. Dogmáticamente siempre cuadradas, este es un formato que avisa una manipulación del marco de exposición y de la detallada construcción de los escenarios que fotografía. La aparente tranquilidad es en sí un juego con la percepción, con la sensación de "perder" o "alargar" el tiempo. Su serie de personas durmientes lo convierten automaticamente en un vouyerista, sin embargo su presencia parecería cumplir un rol en cada escena. La aparente tranquilidad de sus fotografías que advierten una atenta mirada contemplandolo todo, alertan a la posibilidad de un repentino vuelco del letargo a la violencia (Heidegger encuentra en este vuelco la explicación de la hostilidad durante la época de extrema pobreza de entre guerras en la república de Weimar, evento que se puede entender también como el origen del facismo alemán).
 

Los cuadros de Philipp Guffler son lugares aislados que han brotado del entendimiento moderno del espacio y el tiempo. Room for art lovers (2011) ofrece un efecto de resplandor ; lo que vemos son las sombras (o vacíos) de los objetos que constituyen esa habitación para amantes del arte, parafraseando a su vez las condiciones de los primeros espacios de expocisión en occidente : el studiolo, la galería privada de curiosidades y artefactos científicos, tanto como souvenirs de territorios exóticos (el Kuriositätenkabinett (Gabinete de curiosidades)) ; reflexionando a su vez el concepto espacial de lugares de exposición y la capacidad que contienen las obras de arte para transformalos.
 

Las piezas de Sarah Lierl son objetos originados en dos momentos diferentes: durante y fuera de la jornada de trabajo normal. Los anillos de pelotas son como bolas de pelo para gatos, accesoires que recuerdan a la representación del letargo como lujo y a la vez desesperación en Marie Antoinette de Sofía Coppola, un filme lleno chantilly y tardes ociosas. Estos cristales gravitantes en acero son contrastes a las motas de lucidez que brindan los « utillajes » que Lierl tejió este año durante sus varias estadías en el hospital; son largos y compactos nudos que Lierl construyó con material que tenía a la mano, evitando la angustia del letargo.
 


El miedo a que este letargo no termine es formulado en Krystallo, un  planeta imaginado por Jonathan Penca y su compañera Charlotte Simon. Fundamento de esta idea es que Krystallo provee a sus habitantes todo lo que necesitan, y la única diversión de Penca y Simon que queda es mirar a las estrellas; Pareciera un cross-over entre el Principito de Saint-Exupery y el monje frente al mar de Caspar David Friedrich, un encuentro con el origen y muerte de la existencia. Krystallo como performance de Penca y su compañera es a su vez la manifesta herencia del Trash, de Bowie, de Kraftwerk y el cyber-punk (Véase Tetsuo – The Iron Man): la herencia de la primera generación de hombres-máquinas en el imaginario pop.

Que los artistas en sus obras se representen a sí mismos como emigrantes de su propia condición resulta en el contexto guayaquileño un punto de contacto con la búsqueda de otras poetologías alrededor de la construcción de  individuo y  su apreciación psicográfica del tiempo. La pregunta de como esto puede ser abordado en el arte, apelando a la responsabilidad del artistas con su lugar de origen, se cristaliza en estos etéreos imaginarios.
Las obras están conectadas a través de esta idea del letargo como una solución mental a cuestionamientos individuales; una idea plausible si nos fijamos en que el aburrimiento no es sólo un estado sino causa y efecto, elemento alienígeno en la vida moderna. Dandole la vuelta al letargo como el verdadero momento de productividad – de un encuentro con la libertad del pensamiento al alejarse de la rutina diaria – significa esto el poder reconocer a modo de Kierkegaard que „la venenosa duda en el alma devora todo“.


María Inés Plaza-Lazo,
Iberia – Vuelo IB7303 (Múnich – Guayaquil)
Diciembre 2012.










Fotografías y entrevista: Rodolfo Kronfle Chambers





jueves, diciembre 20, 2012

MASHUP! Argenzio+Noboa / NoMíNIMO, Guayaquil


Fotos "diurnas" Ricardo Bohorquez:





















MASHUP
ROBERTO NOBOA « Mª JOSÉ ARGENZIO

La variante de la instalación que se exhibe a partir del día 19 de diciembre adapta de manera experimental el concepto de un mashup. Este término, que proviene del mundo de la música, se emplea en resumidas cuentas para referirse a la composición que resulta luego de mezclar dos o más canciones, y abarca múltiples posibilidades de edición, combinación, collage o sobreposición para transformar aquellos contenidos originales.

El imponente despliegue espacial del trabajo de María José Argenzio proveía una inusual oportunidad para ser estética y simbólicamente repotenciado. Para tal tarea pedí la colaboración de Roberto Noboa, planteándole un reto único que ponga en valor su poco explotado dote de instalador.

Pero más allá de tensar los límites de sus aptitudes lo que determinó su participación fue la doble sintonía que detecté entre su trabajo y la obra a ser intervenida: por un lado el extrañamiento que surge en sus pinturas derivado de representaciones que reconfiguran la “normalidad” del espacio, y por otro porque comparte ciertos sentidos medulares que se expresan en sus interiores, en los cuales casi siempre se desdibujan la lógicas arquitectónicas y se incorpora cierta opulencia ornamental que decanta una “conciencia de clase”.

El resultado final arroja una “plusvalía” en goce puro, creando un pequeño bosque encantado donde se engrosa, mediante el deleite visual del repertorio simbólico de Noboa, la alegoría que brota del trabajo original de Argenzio.

Rodolfo “Sir Mix-a-Lot” Kronfle
Mixologist


Fotos "nocturnas" Rodolfo Kronfle Chambers: